2008-10-13 07:37:08 http://lts.bbs.net/bbs/01/index.html http://lts.bbs.net/bbs/01/index.html 立体声:谈乐说音 cn 2008-10-13 07:37:08 cn http://lts.bbs.net/bbs/01/21868.html#TOP 祗园主人 一般资料记载，都是卡萨尔斯在无意间发现了这部作品的手稿并推而广之。那么在这之前，德国有没有人知道或者演奏这部作品呢？ 2008-07-30 20:29:24 http://lts.bbs.net/bbs/01/21954.html#TOP POWER 五年前，由艾森巴赫携北德在上海大剧院经历过一次辉煌，这次由多纳伊，这个目前古典音乐界近八十的元老级人物领衔，还有齐莫尔曼，这个40来岁已经成为小提琴大师级人物的协作，为五年后之行再续辉煌。 2008-10-12 17:23:52 http://lts.bbs.net/bbs/01/21953.html#TOP 祗园主人 http://www.head-fi.org/forums/f45/canjam-08-team-florida-invites-all-their-friends-322345/ 2008-10-01 12:58:09 http://lts.bbs.net/bbs/01/21951.html#TOP 祗园主人 http://www.my-hiend.com/vbb/showthread.php?t=627 2008-09-30 21:46:18 http://lts.bbs.net/bbs/01/21950.html#TOP POWER http://cn.jpwave.cn/artist/2297 2008-09-25 21:09:59 http://lts.bbs.net/bbs/01/21908.html#TOP 舒存 电视剧《天道》的二段情节： 一、流浪者之歌 丁元英从叶晓明手里接过唱片，随口很家常地应了一句：“还可以。” 　　没想到冯世杰愣了一下，不悦地问：“还可以，就是不怎么可以了？” ...... 丁元英有些无奈，不得不点点头，说：“我个人觉得，穆特拉的《流浪者之歌》还不足以冠一个‘好’字。” 　　冯世杰质问：“为什么？” 　　丁元英说：“同一首《流浪者之歌》的曲子，以穆特与弗雷德里曼的小提琴相比较，穆特诠释的是悲凉、悲伤、悲戚，弗雷德里曼诠释的是悲愤、悲壮、悲怆，不一样，穆特多了点宫廷贵妇的哀怨，少了点吉普赛人流浪不屈的精神。” 　　冯世杰听呆了，芮小丹也听得入了神。 　　丁元英说：“海飞兹是伟大的小提琴大师，但是单就《流浪者之歌》这首曲子，他的诠释也不一定是最高境界。也许他太在乎技艺精湛了，反而染了一丝匠气，淡了一丝虔诚。以他们３人各自演奏的《流浪者之歌》相比较，我觉得穆特是心到手没到，海飞兹是手到心没到，只有弗雷德里曼是手到心到。” 　　冯世杰不解地问：“你刚才说穆特是少了点东西，怎么又说她是心到手没到呢？” 　　丁元英说：“心是愿望，神是境界，是文化、阅历和天赋的融汇。咱们都相信穆特想演奏好，但她的性别底色是上帝给她涂上去的，只要她不能超越上帝，她就抹不去性别底色的脂粉气。穆特的手，是一双女人的手。” 二、丁元英的音响系统 “他的音箱和这个音箱都是用５吋的喇叭，外观尺寸相似，但这个音箱只有一个低音、一个高音和４个接线柱，而他的音箱却有两个低音、两个高音和八个接线柱，这就是说，两对常规的音箱才能做出他的一对音箱，所以他用２台前级和４台后级推动。据我所知，目前世界上还没有哪个厂家生产这种音箱，也许还没有这种意识。” 　　芮小丹问：“这说明什么？” 　　叶晓明拍着音箱说：“这么给你讲吧，推它的最高境界是一台前级，两台后级。丁先生的音响表面上看是一套，其实是两套最高境界的推法在同时工作。这已经不仅仅是音箱和机器增加了一倍的问题了，已经超出了音响技术的范畴，是境界，是气度。” ...... 曲终，赵忠涛这才回过神，走过去站在右侧再次打量音响，感叹道：“一条线哪，多过硬的一条线，不拐弯、不打折！上帝，过去都算白活了……怎么想出来的呢……这哪里是发烧啊，这简直就是发烧土匪！服气……玩出文化了！” 　　于志伟走到音箱跟前，用手指敲敲箱壁，从声音判断箱壁的厚度和密度，然后习惯性地两个手掌夹住音箱试图掂量一下音箱的分量，但是音箱像焊在脚架上一样纹丝未动，他不得不换了一种方法抱住音箱，这才抬起来感觉分量。 　　于志伟小心翼翼地放下音箱，感叹地说：“两组套件做到一起，增加一倍的推动，损失中低频反射效率，拿掉假低频，增加真声的密度和量感……原来竟是如此简单！土匪，真是土匪……洋洋洒洒不拘一格，真玩出文化了。” 2008-08-08 10:54:26 http://lts.bbs.net/bbs/01/21925.html#TOP POWER 祗园最近常来么？我昨天听了一场布伦德尔 (98字)(sEQueNzA 3-19 5:59 阅读 24) 真tm好。大概随便写了点，你如果需要我就转过来。 另外我5月底回来，6月底走。你什么时候办大事来着？ 快转过来撒～ (18字)(祗园主人 3-19 18:35 阅读 18) 详细点，最好有照片 2008-09-05 19:28:59 http://lts.bbs.net/bbs/01/21936.html#TOP 祗园主人 听到第三首“Beim Schlafengehen”最后那句“um im Zauberkreis der Nacht tief und tausendfach zu leben”心头一热，眼泪忽然止不住往下掉。老婆正好到客厅见我这副傻样，奇怪的问你怎么啦？........ <IMG SRC="http://lts.bbs.net/upload/200809151b69f1400000004455.jpg/_/R.struss_norman.jpg" BORDER="0" ALT="上传图片" WIDTH="600" HEIGHT="599"> 2008-09-15 23:05:02 http://lts.bbs.net/bbs/01/21870.html#TOP 祗园主人 阿尔弗雷德•布伦德尔：对拉特的批评已言过其实 作者：Alfred Brendel, The Guardian, May 31, 2006 编译：Grace of Iceberg, 2006 年 6 月 2 日 译者翻译此文章仅出于对古典音乐的爱好而非商业目的。 文中观点不代表译者本人的观点。转载请注明出处。 我既吃惊又沮丧地读着贵报关于西蒙•拉特和他的抨击者的报道（《西蒙•拉特棒下的柏林爱乐乐团令人失望》，2006 年 5 月 25 日）。与一些批评恰恰相反，柏林爱乐乐团目前如日中天。当然，这个乐团不是卡拉扬或阿巴多时代的翻版。在保留着丰富的浪漫主义时期的交响曲目外，这家乐团通过一种奇特的方式向当代音乐以及十八世纪的音乐张开了胸怀。一个人喜欢哪种莫扎特纯属他个人的事；不能期望出现要极力再现卡拉扬声响的指挥家。 今年初，鄙人有幸与西蒙爵士合作上演了七场音乐会。可以这么说，在我所听过的马勒《第四交响曲》的三次光芒四射的演奏中，没有哪一次能超过柏林爱乐乐团的版本。这个乐团的每个声部都能达到令人难以置信的同样品质、精度和力度。近年来，西蒙爵士指挥的舒伯特的《C 大调交响曲》和勃拉姆斯的《第二交响曲》也同样如出一辙。最近，我们在萨尔茨堡音乐节合作上演了贝多芬的《第四钢琴协奏曲》，这样的合作令大多数独奏家梦魅以求。今年一月份，乐团访问了纽约，连续上演了四套不同节目，大获成功，这同时也应该是西蒙爵士个人的丰凡成就。在纽约和萨尔茨堡，我亲眼目睹了观众的聚精会神以及乐队的全心投入。 我记得过去曾发生过多次贬低卡拉扬的事件，这在当时已成为德国国内的一种时尚。与此类似，新闻界也发起过一场罢免克劳迪奥•阿巴多的运动，要他卷铺盖走人，理由是他没能重振这家老龄乐团的活力。事实上，阿巴多为乐团挑选了许多青年英才，而这一努力正被西蒙爵士传承。在阿巴多长期缺席后，柏林之旅中的西蒙已广泛被人们看好。无论鉴于其有失风度还是缺乏判断能力，那位质问西蒙爵士是否不及其前任的记者最好自惭形秽，他的措辞更不该被四处引用。 阿尔弗雷德•布伦德尔 伦敦 2008-07-30 20:35:28 http://lts.bbs.net/bbs/01/21839.html#TOP 电视 . . . . . . . . . . 这不能算我插科打诨了吧。 <IMG SRC="http://lts.bbs.net/upload/2008072032e8588300000075ef.jpg/_/P1020854.jpg" BORDER="0" ALT="上传图片" WIDTH="600" HEIGHT="601"> 2008-07-20 13:56:38 http://lts.bbs.net/bbs/01/21856.html#TOP Guinness <IMG SRC="http://lts.bbs.net/upload/200807240de9b1aa00000041bb.jpg/_/violin.jpg" BORDER="0" ALT="上传图片" WIDTH="1600" HEIGHT="2133"> Canon Canon DIGITAL IXUS 850 IS ISO0 焦距: 4.6mm 快门: 1/20.0s 光圈: f/2.8 摄于:2008-07-23 20:17:07 (1944x2592) 2008-07-24 22:18:47 http://lts.bbs.net/bbs/01/21809.html#TOP KING好 小弟我没见过这么拉琴的，请哪位大大给解疑释惑 <IMG SRC="http://lts.bbs.net/upload/2008071952cbe2c600000045ce.jpg/_/perkola8.jpg" BORDER="0" ALT="上传图片" WIDTH="412" HEIGHT="546"> 2008-07-19 18:43:54 http://lts.bbs.net/bbs/01/21848.html#TOP 舒存 深圳音乐厅及其他：致Brendel 兄 怀着浓厚兴趣读到你的转帖，也看了你用心的回复。本来想说几句，但帖子气氛不好，而且拖的太长。还是老习惯，另发这个帖子，与你沟通交流。特别想听听你在这方面的意见，包括香港音乐演奏场所的情况。 本人一直很关心音乐厅的声学情况。以前多次在不同坛子提到这方面情况，很少遇到你这样同好，尤其你这样用心的人。过去遇到的就是李商隐兄，我们在这个坛子交流过一些看法。 深圳音乐厅一直没有机会去现场听听，但一直都在关心。毕竟这是到目前为止投资最大、专门为音乐演奏而建设的场所。其他大投资的都是综合性的演奏场所，如国家大剧院、东方艺术中等。首先要声明的是，我在这里所谈的关于深圳音乐厅的内容，都是纸上的东西，只是常规的推测。有价值的还得老兄来细说了。为了节省，凡是心态不稳定的朋友，不必费心劳神在这个帖子里凑热闹了，以免帖子拖的过长。预计是，帖子到五六屏之后不再赘言。 2008-07-21 13:13:25 http://lts.bbs.net/bbs/01/21793.html#TOP KING好 (空) 2008-07-18 19:40:52 http://lts.bbs.net/bbs/01/21711.html#TOP 立体声老唱片 名琴制作 http://video.yahoo.com/watch/845639/3473221 2008-07-03 18:05:33 http://lts.bbs.net/bbs/01/21707.html#TOP 舒存 德国来信 原帖说明：各位好, 我是DAVID（大卫）,因无法注册（音乐与音响论坛）这个ID, 只好换了个马甲.坛子上一些朋友已经知道我最近正在为ANTARES购买音源、功放和线材，到目前为止，这三件的投资比例大约是22：23：19。朋友Z兄[以下称Z]与一位德国人[以下称D]皆是FM功放的用家[D用acapella喇叭]，一个偶然的机会，Z兄把我的近期动向告诉了D。于是就有了下面D的来信。有言在先，D说的很多器材我没听过，虽然他的一些观点可能会让某些商家/厂家/用家不悦，[望各位多多包涵]，但听听外国人对器材的评价，也许能让我们换个角度看看我们身边的诸多名器。还有，因为D的来信都是用德语写的，有劳Z兄请人[非发烧友]译成中文[特此致谢]，大家凑和看吧。 来信一[D写给Z] 第一,线材的投入是否太多?他觉得目前您的系统里面,线材所占比重不合理. 第二,他认为ayre不足以对付天蝎星,rockport的小喇叭他在德国的代理处听过两回.他觉得比较好的搭配是用boulder或者goldmund.他说一般玩hifi 五年是一个阶段,他觉得您可能在5年内会换掉ayre.这样如果信号线和电源线全部用很贵的,会麻烦. 第三,关于goldmund,因为他在瑞士工作,有机会访问goldmund厂家,他说hifi器材好声的秘密其实就是数学建模,多个变量(零件)的协调问题,这个工作要是能处理好,器材的声音就会非常好听,FM,GOLDMUND是得其中三味的代表,这样的器材,往往零件并不多,过度复杂的处理,例如音源信号升频,就导致时间失真(他原义如此),所以mark,vitus,boulder的声音纯度不及fm和goldmund. 可是声音纯度好,不代表功率能够做到非常大,这是一个矛盾的问题,如果fm和goldmund制造大功率后级,那么成本就会升高到难以控制的地步,原因是零件筛选成本太大. goldmund现在致力的工作点在于集成化,高度的集成化的电路板,目的就是解决零件一致性问题.goldmund原厂现在正在实验集成化22m前级到一块手掌大的电路板上面.如果这个成功,那么goldmund的价格就可以降低. 关于后级部分,现在goldmund的瓶颈在于变压器.FM,走保守路线,在研发上面不积极,这些年都在吃老本. 最后他说过几年有机会到北京,希望您已经升级到36A+高文前级+高文后级+天蝎星的配置.到时候他想听听您的系统呢. 来源：音乐与音响 http://audiophile.bbs.net/bbs/01/395130.html 2008-06-30 09:46:33 http://lts.bbs.net/bbs/01/21729.html#TOP 谷雨 (空) 2008-07-07 23:25:59 http://lts.bbs.net/bbs/01/21700.html#TOP 舒存 听过莫里尼（Morini）的录音吗？德国老一辈小提琴家，因为长寿，留下了一些比较好的录音。这几个月中，陆续听了她的4张碟片，其中印象最为深刻是布鲁赫小协 。 一定要听听莫里尼，尤其是她演奏的布鲁赫小协。如果还有谁的演绎比海非茨更吸引人，那就是莫里尼的演绎了。没有更多大对比，没有更多大煽情，但情感沉醉于琴声之中。最直观的感受是，这才是地道的布鲁赫。在我看来，是布鲁赫小协最好的几个演绎之一，仅凭这个布鲁赫小协，她也能进入最好的小提琴之列。 感谢南璋之先生提供的CD。据说，莫里尼演绎的布鲁赫小协的LP黑胶盘，二手卖到300美金。 2008-06-27 13:12:31 http://lts.bbs.net/bbs/01/21697.html#TOP 谷雨 <IMG SRC="http://lts.bbs.net/upload/20080619735b5fe70000007eb7.jpg/_/Karajan-Gould.jpg" BORDER="0" ALT="上传图片" WIDTH="395" HEIGHT="393"> 2008-06-19 21:44:08 http://lts.bbs.net/bbs/01/21694.html#TOP 立体声老唱片 “柏林爱乐都变味了” 专访合唱指挥家罗尔夫-贝克（Rolf Beck） 石勒苏益格- 荷尔斯坦因音乐节（Schleswig-Holstein Musik Festival，简称石荷州音乐节）由德国著名指挥家、钢琴家弗朗茨-尤斯图斯（Frantz Justus）创立于1986年。如今，它已是国际上最大的古典音乐节之一。每年7月至8月，有将近150场音乐会在德国北部的城镇举行。 罗尔夫-贝克作为石荷州音乐节合唱学会的音乐总监，多次率领这支合唱队走出德国，在西班牙和日本巡演。4月26、27日，罗尔夫-贝克携手部分合唱团成员与上海音乐学院的学生一起，在上海音乐厅举办了两场音乐会，为中国听众奉上德国音乐家舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、门德尔松的合唱作品。 罗尔夫-贝克说：“虽然石荷州音乐节合唱学会创立才7 年，但是我们对学生的要求很严格。他们每年都必须经过层层考核，不合格就淘汰。” 作为班贝格交响乐团合唱团长达20余年的“专门人”， 罗尔夫-贝克对这支著名德国乐团的批评直言不讳。去年班贝格乐团来沪演出时，曾宣称自己“仍保留了浓厚的德式传统音质”。“ 只能说，他们还自以为是那样的，我看只剩弦乐部分还有些德国色彩。”罗尔夫-贝克不以为然地说，“如今，在西蒙?拉特尔的带领下，连柏林爱乐都变了味，听起来跟芝加哥爱乐半斤八两了。” 虽然巴赫、亨德尔等巴洛克音乐才是罗尔夫-贝克的拿手曲目，但在被问及曲目安排时，他坦言演出前已被再三告诫，中国观众只欢迎浪漫派的乐曲。 罗尔夫-贝克还曾带领班贝格交响乐团合唱团在以色列上演过巴赫的《约翰受难曲》（StJohn Passion），这在当时是史无前例的。他回忆道：“虽然作品将犹太人归为罪人，可是音乐却是那么动人。当时台下的观众都在偷偷哭泣，我们连演了5 天。” http://news.sohu.com/20080506/n256692533.shtml 2008-06-11 12:50:25 http://lts.bbs.net/bbs/01/21691.html#TOP 立体声老唱片 好像都没有去听吧？看到有人提到了现场情况： 一个词——齐！音齐、声齐、气齐、心齐。齐在句子起始到终止音量气息控制任何一个细节上。齐到弦管声部是一把小提琴/一支铜管的程度，齐到一把小提琴/铜管没法比的程度！想问：为什么能那么齐？ 座位是这个音乐厅平时管乐最可怕的位置，每个喇叭口直对着的方向。进场前有些害怕，费交吹的是吓人的肖斯塔科维奇的第五交响曲，到时会不会被震耳的管乐所吓倒？听后知道一个道理：管乐音量最大也是“吓”不倒人的。 8号晚上没有朗朗的那场~~~从《艾格蒙特序曲》第一个和弦开始，人们身上的毛孔就全部张开了；要是挑剔的说，莫扎特的乐队协奏曲或许有些中规中矩，但干净清爽，而到了下半场老柴的《悲怆》就有点无法形容了，人们在三乐章结束的时候就控制不住鼓起掌来。 这一次真正发现埃森巴赫是一位“闷骚”型的指挥家，冷静地激情酷毙了。加演了两首，西贝柳斯的华尔兹和普罗的《罗密欧与朱丽叶》，前一首的高贵与忧郁气质又一次为乐团水准作了证明！ 费城的经理在巡演结束后总结说，几经广州方面的邀请，最后决定也来广州演一场。发现广州实在是个很不错的地方，这里有最好的音乐厅和最可爱最专业的听众。 注：选自走四方帖子 2008-06-11 12:25:22 http://lts.bbs.net/bbs/01/21681.html#TOP 1234业 请教一下钢琴家Ｚacharias的演奏问题, 我有他的一些唱片 如Ｚacharias的莫扎特钢琴奏鸣曲集,,,有相当水准,,只是我觉得 他的琴声好像有一点儿"浮",,开始以为是录音的问题,,今天听到了DG录音斯卡拉蒂曲子后觉得应该不是录音的问题. 这首是DG录音的,,我的莫扎特钢琴奏鸣曲是EMI出品,, 2008-05-29 07:49:37 http://lts.bbs.net/bbs/01/21687.html#TOP Guinness 为配合英国皇家芭蕾舞团访华演出，英国大使馆文化教育处与国家大剧院联合推出舞动创意工作坊，主要面向艺术教育工作者，学生团体，当地社区以及弱势群体。该活动是为期三年的“创意都市”项目的一部分。 <北京> 英国皇家芭蕾舞团《曼侬》 时间：2008年6月18日 - 2008年6月20日 场馆：国家大剧院歌剧院 票价：RMB 100、200、400、600、800、1000 售票热线：010-64068888（北京） 400-818-3333（全国） 英国皇家芭蕾舞团《睡美人》 时间：2008年6月21日 - 2008年6月23日 场馆：国家大剧院歌剧院 票价：RMB 100、180、200、280、400、480、600、680、800、880、1000、1080 售票热线：010-64068888（北京） 400-818-3333（全国） 英国皇家芭蕾舞团《经典节目荟萃》 时间： 2008年6月25-26日 场馆： 国家大剧院歌剧院 票价：RMB 100、200、400、600、800、1000 售票热线：010-64068888（北京） 400-818-3333（全国） <上海> 英国皇家芭蕾舞团 《曼侬》 伴奏：上海歌剧院交响乐团 地点：上海大剧院（人民大道300号） 时间：6月28日（周六）19：15；6月29日（周日）13：30、19：15 票价： 晚场 RMB 160、260、400、500、600、800、1000 下午场 RMB 140、240、380、480、580、780、980 订票热线： 021-63728702、63723833、63598032、63271943 <香港> 英国皇家芭蕾舞团《曼侬》 时间：2008年7月17日 - 2008年7月18日 场馆：香港文化中心 英国皇家芭蕾舞团《经典节目荟萃》 时间：2008年7月17日 - 2008年7月18日 场馆：香港文化中心 科文特花园皇家歌剧院的皇家芭蕾舞团是英国声望最高的芭蕾舞演出团体，被誉为“芭蕾皇冠上的明珠”。1956年正值舞团成立25周年，经皇家特许局特许，冠以皇家芭蕾之名。皇家芭蕾舞团精致、典雅的皇家气派，独秀一枝，并在世界上享有极高的声望，位于世界“四大芭蕾舞团”之首。舞团在世界各地广泛巡演，均获得很高的赞誉。此次英国皇家芭蕾舞团将带来的是正当红的芭蕾舞剧《曼侬》。《曼侬》是根据18世纪浪漫主义小说的杰作——普列沃神父的小说《曼侬•莱斯科》改编，描写一位容貌美丽但脾气不好的姑娘曼侬择偶的曲折经历。全剧共分三幕，情节紧凑，跌宕起伏，充满了浪漫主义的悲剧色彩。 2008年6月18日至26日，英国皇家芭蕾舞团将在阔别十年后重返中国舞台。该团隶属于英国皇家歌剧院，在6月为期一周多的时间内，将携最强演出阵容登台国家大剧院。《曼侬》《睡美人》《经典节目荟萃》三台世界高水平芭蕾演出将与广大观众见面。 4月3日，英国皇家歌剧院媒体见面会在国家大剧院举行。英国皇家歌剧院总裁托尼-豪尔、英国皇家芭蕾舞团行政总监安托万-罗伯兹、国家大剧院副院长杨静贸、国家大剧院舞蹈艺术总监赵汝蘅以及赞助商代表出席了会议。发布会上，托尼-豪尔强调，2008年是北京的奥运会，而在4年后将会是伦敦奥运会。希望与中国最伟大的文化机构之一保持着一种意义深远并长久的合作关系。两大剧院之间的合作不仅限于访问演出，而是建立在互相的尊重、专业技术的交流和在两剧院工作的艺术总监、剧院技术人员、艺术家和许多专业人士在其专业与技能上的沟通。 在国家大剧院开幕国际演出季“国际芭蕾明星荟萃”中，英国皇家芭蕾舞团的两位艺术家所表演的《海盗》《冬梦》已经为中国观众留下深刻印象并获得好评。此次6月的演出，该团准备将最强演出阵容奉出，为北京观众带来更加精彩的演出。据悉，该演出是文化部奥运文化活动中的重点项目。英国皇家歌剧院与中国国家大剧院将保持着长期合作关系，双方将进行不定期的交流和演出合作，以促进中英两国的艺术往来。这一合作关系于2007年3月28日在双方签署的备忘录中正式建立。 赵汝蘅对英国皇家芭蕾舞团给予了艺术上的很高评价。赵汝蘅说：“英国皇家芭蕾舞团精致、典雅的皇家气派，在世界舞坛上独秀一支。过去中国的芭蕾一直是俄罗斯学派，英国皇家芭蕾舞团让我们看到了世界上更多流派的芭蕾艺术。国家大剧院作为一个国家级的艺术场所，有责任将更多的艺术精品呈献给广大观众。我们要向英国皇家芭蕾舞团学习的不仅仅是艺术，同样也有剧院的管理以及舞蹈人才的培养方法。” 2008-06-06 00:26:09 http://lts.bbs.net/bbs/01/21627.html#TOP 立体声老唱片 2006年深秋后的北京乐坛，像成熟了的果实，五彩缤纷的新作品音乐会相继问世。我有幸应邀聆听了大部分节目，这里，我只想着重谈一些校友们写的曲目：谈音乐和作者，谈目前和过去。因为有历史渊源，他们曾经的境遇，写作上可能有什么奥妙？采用什么样的“密码”？也许我会略知一二。 　　 　　一 　　 当年的知青、地方歌舞队、京剧队的乐手们，他们已有一定的阅历，接受“文革”的风雨。在创作过程中，他们才华横溢，奔走于国内外，他们已成为专家、教授。这群被称为作曲系77级的班友，现今最年轻者已为知天命之年，大多数已是艾老（五旬后）了。虽统名“新潮音乐”群体，早在十字街头中，已各走各的路。回顾八十年代，那是一个被视为浪漫的时代，诗意、激情和天真的年代。在国家意识形态推动下，实验中有些似是成功的、音乐学家们鼓掌叫好：内容的突破、技法的突破、形式的突破！在音乐会的一些受众中对他们的作品的演出惊感新奇时也有叹息和不解，是否仅是“和寡”而却是“曲高”？逐渐他们中有些人也感到被冷待，或自己的艺术品被列入“另类”了！现代音乐与听众的关系是个世界性的话题，需要智者们通过创作实践逐渐解决。 现代作曲家室内乐作品音乐会（下述曲目次序大体上按节目单排列） 2006.10.12 北京音乐厅 德国现代室内乐团演奏 指挥西恩·爱德华兹 1. 郭文景《炫》Op.40（2003）——为六面锣而作 数月前也曾聆听，是中央音乐学院民乐系演的；这次演出的舞台上有一个大屏幕反映奏者双手击锣的种种演奏技巧，其手势之间的配合与音色节奏的变化如行云流水。正如作曲家在节目单上对音乐标题所解释的：“炫者，既言金锣声之光彩炫目，亦谓演奏者之技艺炫耀”。从演奏家来说，若不是对打击乐具有超群的技能，学院化的学识，无法演奏出如此多样的音色与节奏的变化，如此复杂的声部交错和连接；若作曲家对民间打击乐不是如此钻研、用心，对专业作曲所具有的交响贯穿发展的能力与素养，他也难以如此灵活地展开乐思，运用穿插、对比的手法，将此套曲写得如此丰富。但音乐的发展过程还是长了！若更集中一些、见好就收会更好。人们还难以适应在特定场合听如此长时间的锣声，仅以听觉来理解乐思，产生共鸣。有些品种、技法不宜过于延伸，安东·韦伯恩很注意将自己的作品浓缩到只有几分钟的时间（约五分钟以内），有些就在一分钟之内。当然，这和他的创作观念、方法有关。 　　 从开始学习写作起，郭文景就严于律己，养成一种尽可能自我完善的习惯。至今日，稿约虽多但基本亲为，在市场经济中完全不找助手代劳者已不多了！郭文景是川汉，他主要的音乐母语是川音。弦乐四重奏《川江叙事》，描绘想象中的葬礼场面为两架钢琴与交响乐队而作的《川崖悬葬》，交响乐（准确地说，应为交响大合唱）《蜀道难》等，其标题均以川字为首；笛子与乐队协奏曲《愁空山》，用序列技法写作的中型室内歌剧《狂人日记》虽与“川”字无关，乐汇也非全无“川”味，从其中你仍感受到其腔调、语势、乐队的打击乐组合的乐感仍存在川汉老郭的韵味。 　　 与川籍文学家郭沫若、巴金类似：郭文景的音乐也带有浪漫主义色彩。前两者原为世家子弟，书卷气浓一些；郭文景的音乐则较土，较粗，似是个有灵性的小城平民。可以这样用文字来比喻他的音乐：这里，你恍惚看到作曲家面对孤独的上苍，赤贫的大地，冷寂的纤夫在咏叹，他的音乐意境是茫然的。它满怀悲壮但不是北国壮士的悲歌。它也有英雄主义的色彩，但更多的是川人的那种达观、幽默和典雅。作为一个男人，郭文景深藏着一种毫不遮掩的率直且近似执拗的个性，平日彬彬有礼，足智多谋，但在激动时奔放的感情却难以自控，即使在老友们叙会中，谈笑之间忽听一击桌巨响，并非争吵，只是他在发表高论时兴之所至。音乐中的郭教授也是充满浪漫、细腻、豪情的。 　　 我很喜欢聆听老郭的《蜀道难》，音乐中显现出作者丰富的想象力、自成一格地充满幽默、乐观情绪的高腔！具有英雄气概的合唱和乐队音乐。它好在清新、生动，好在自成一体：它长在四川，源于川语，这是一部受益于四川的风土人情、个性化的作品。 　　 我很喜欢观看郭文景的歌剧《狂人日记》，这是一部以序列技法写的小成本的室内歌剧（小乐队一般设在舞台左侧，当然，北京演出的场合则是另一回事）。歌剧音乐成功地表现出“狂人”与客观现实的矛盾和冲突，它是适当（这是个中小歌剧）而非夸张的。剧词采用散文式、口语化的文体。作曲家从母语的表情达意的声韵中找到它的核心语调，而结构咏叙性歌曲的旋律线，写作特定环境中人们的交谈、争论等宣叙性的音乐。这些音乐源于特定序列，作曲家使之成为人物间的窃窃私语与高声呼喊，抽泣与狂笑带唱的呤颂与慷慨的高歌。这里有整齐的而更多的是散板音乐，这些汉语声韵的上下起伏体现出音乐的民族色彩。舞台上的人物造型和场景的美轮美奂使人陶醉。当然，要使它成为真正的classic，尚欠火候。 　　 郭文景的音乐产量不算高，但比较稳妥。对于他的创作方向，他曾说过：“有人将我们统统划为‘先锋派’，我以为这是个误会。就我而言，学生时代，曾把西方现代作曲技法大胆‘拿来’，但毕业后经过一段实践又大胆扬弃，可以说是钻进去又爬了出来，并努力去搞中国特色的音乐。” 2. 陈怡《气》（1996—1997）长笛、大提琴、打击乐（包括钢琴） 作曲家在此的意图表达中国传统哲学中的一种抽象思维：人的力量来源于内在的气，古人认为气是生命力的源泉，因此，大自然中之气是无所不在，这是一种元气、动力，如常说的空气、地气、人气等等。它是抽象的，具有一定的神秘性，带有空灵的性质：作曲家说，它“就像国画的留白中那融于大气和阳光的梦幻与神秘，像狂草疾书的笔墨线条中那似急风骤雨不可遏制的情态动势，还有那时时萦绕于作曲家想象之中的，正在酝酿爆发的泥石流所蕴含的张力与悬念，这些对气于大自然和气于神韵方面的印象都抽象地外化成了音乐语言来表达作曲家对气——永恒之力的内在感受。” 当然，对一些新潮作曲家的乐曲标题不必拘泥于某一个字（常常只有一个字，例如“定”），它只是给你一个想象上自由发挥的一个空间。气，它是抽象的，你既没看见过也没耳听过。但作为一种哲理，它又是具体的：你可想象它如大森林中的若隐若现的阳光，那里，万物甦醒，微风细雨，或想象她是个少女在含情脉脉地唱着思春的歌声。瞬间，出现急风骤雨，其声似是泥石流的爆发。当然，这只是你的想象，每个听众所想象的情景会各不相同。作曲家意图通过声音使你对“气”的力量有所感受。她用的是无调性或多调性，用中国传统与民间音乐因素与西方调式系统相结合的手段来写作的。引用陈怡自己的话说：“我试图用自己的语言以一种自然的方式来说话，而我的语言就是对过去所学习的一切知识的综合。” 　　 在音乐形式方面，“气”在音乐布局上是均衡、完整的。有人很喜欢，认为音乐情景交融；认为不足的有各种说法：一说少了些激情，一说少了些粗犷。我们常听到各种现代新作，多是丝弦钟鼓齐鸣的、轰轰烈烈。有些业内的朋友说陈怡的音乐各方面都好，就是个性不太鲜明。其实，音乐如人品，有些一目了然，有些需要耐心品味。陈怡是个好人，口碑最好的是她助人为乐。聪慧、慈祥是陈怡的人品和她的音乐风格：平和、理性（很好的音乐逻辑）、兼容、乐天、纯真、温柔、不露锋芒。小提琴协奏曲中之上品，与贝多芬并列的还有门德尔松的大作，各有所爱。 　　 3.瞿小松《草书》为一把大提琴与三件打击乐器而作 作曲家在演出节目单中写了下述解说：“我呼吸着日月之间的气息；我呼吸着山河之间的气息；我呼吸着天地之间的气息；我呼吸着宇宙万物生灵的气息。但音乐就是音乐，这里你所听到的只是时间与静谧的声音。”巧的是：在乐坛中有盛誉的周文中教授也有一首名曲《草书》，龙飞凤舞般的草楷确能启发作曲家们不同的音乐想象力；瞿小松与陈怡在乐曲解说中都谈及“从中国传统水墨画中‘留白’的运用中获得灵感”，并说“其中大量的空拍与休止，也为听众增加了几分冥想的余地。”陈称其音乐“像狂草疾书的笔墨线条中……似急风骤雨……泥石流……于大自然和气于神韵方面抽象地……成了音乐语言”，瞿称其在音乐创作时“呼吸着日月……山河……天地……宇宙万物……的气息”。可以说：他（她）们灵感的源泉是近似的，他们吸取中国传统的哲理、中西结合地写作文人音乐。即使在题材的选择或问题的理解上也可以看出周教授与瞿、陈之间的师承关系。进一步说：这一类型的音乐创作观念与选材角度，在华裔或海归派作曲家的音乐中也具有较重分量的代表性。 关于《草书》的音乐构思，瞿小松强调说：“这里你所听到的只是时间与静谧的声音。”又说：“书法是《行草》的一个由头，落笔写成音乐。”乐曲的开端是静谧的，这里有空拍、休止符，它给予听者足够的遐想（这也是留白的手法之一），大提琴以长音轻奏的旋律进入，在单音上加以润饰，形成另一种美感，空静幽灵。具有节奏特色的以十六分音符为主的打击乐轻声而自然地进入，并以此为基础支撑全曲。从作曲法的角度说：全曲是一个从简单到复杂的发展过程；运用自由变奏原则的发展过程，类似包列罗舞曲类型的结构思维。 曾有听众形象地描绘它的音响意境：“始于虚空，沉稳雍容，终至声若奔雷、隐纳万物”。空灵、紧张不安、一气呵成，音乐结构是紧凑的；这是一部严肃音乐，意念独特、语言清新，“世界音乐”式融会亚、非乐汇的节奏型、音乐意境深邃，我乐于倾听这种美妙的个性化的音乐 瞿小松是位学者型的作曲家，行业内曾传说过他一些较偏激的有关艺术的评论。今天，我细读他的谈话，还是欣赏并有同感的：“我的情况是，走到某个阶段，觉得西方的那一套不够用了，就会去寻找新的东西。西方作曲家音乐中体现的时间状态和全世界范围内非作曲家音乐里体现的时间状态很不一样。像中国的古琴音乐、印度的古代音乐，完全松弛，是极其自由的时间状态，这在西方作曲家的作品中从来没有。我从中学到了很多，并觉得自己跟这种状态更亲切、靠近……。” 关于音乐，贝多芬有句话我依然认同：“好的音乐，源于心，达于心，也就是首指人心。如果这种特质丢失，音乐就变成了音响的智力游戏。这是西方的现代音乐界非常严重的状况，几个人在玩自己的游戏，人各有所好，一小拨人对这游戏感兴趣，跟着加入。……”当新京报记者问他在上海音乐学院讲学的情况时，他说：“讲老子《道德经》《庄子》选读。讲完后我计划写四本书，主要内容是‘以常人眼看觉者智’”。 4. 谭盾《为六件乐器所作的协奏曲》（1997） 这是唯一的一首在音乐会中曲终后引发全场听众热烈欢笑、鼓掌叫好的乐曲：它十分活泼、幽默、有趣，形式新颖，使人联想到农村的节日中的仪式、喜庆中的音乐和舞蹈场面。这里有动听的旋律，它生动地运用各种乐器：在最高音区像小鸟般歌唱，在大提琴最低音后弓在舞台地板上叩击继续演奏。这里，有华丽、欢快的乐段和各个乐器独奏家自由即兴发挥，作华彩的技巧性的演奏；打击乐随着欢乐的情绪深化而加快；像打中国麻雀牌近似地随着每个主题和它的变奏开头，演奏者们都喊出数字序列：7—6—5—4—3—2—1，且顺着数字而改换乐曲的节拍、节奏。数字的顺序支配着这首作品律动的安排，也影响着它们的节奏和速度（音乐由七拍子顺序最后而成为一拍子），在一片急速而华丽和敲击、呼喊声中，最后由演奏者同时用力地在一片跺脚声中结束。这是一首具有协奏性采用变奏曲形式的室内乐，结构紧凑，见好就收。这可说它是现代音乐（或当代人写的传统音乐）的流行音乐；是一种生活化、谐谑的类似爵士音乐那样的中国室内音乐。 　　 谭盾在国内上学时，主要精力均用在作曲上，也很有收获；但在作曲技术理论课程、尤其是着力于完成习题作业上，可能用力不多。他到美国哥伦比亚大学音乐院为获取硕士学位而写的乐队音乐套曲《死与火——与保罗·柯利的对话》在京首演时，人们聆听后都应会眼睛为之一亮，生动的艺术造型、多样的和声织体和色彩灿烂的配器，能听出来作曲家用心的细致，用笔干净，显露出扎实的写作基本功力，但观众反映平淡，音乐界的笔杆们也没对此粉饰，至于我，非常喜欢，庆贺谭盾学有所成。 　　 谭盾显然更有兴趣于标新立异、向现代音乐的顶级大师看齐：在书籍上早已登有卡尔海因茨·施托克豪森坐禅的照片，谭盾也仿学着坐禅上镜，称崇尚道家。他是边学边用、学用结合的。例如：采用齐默尔曼式的拼贴技术、复合风格，还写出嬉皮士式的《十九个操》；他敢想敢干，还能做出成绩。例如：谭盾在校时曾选修过时间不长的指挥基础课，同班同学中也有不少人修了同样的课，但只有谭盾敢于站在世界乐坛的指挥台上，泰然地演绎名曲和自己的新作，其它人从没敢问津，而从事指挥工作对于作曲家（音响探索，听众心理，吸收他人创作经验，推广个人作品，自我宣传由此而找到各种活动资金）是多么重要。若有一个财团的支持和掌握一个交响乐队，那感觉真好！这种就地取材、敢想敢干也见于谭盾的写作上。同时，他还能采用名人效应，在商业上也有不俗的表现：他获得委约，写出《交响曲1997：天地人》，他能因地制宜，别出心裁，开端为香港歌星张学友的演唱中有将电影《南京1937》配乐中那首中胡独曲改写为大提琴曲，请马友友独奏。第六段中播出香港庙街曲档艺人演唱的粤曲《帝女花》之“香夭”的现场录音，后有编钟与管弦乐终结，虽有人提出各种疑问，有些确也经不起推敲，但演出确有很大的轰动效应，这里集流行音乐、粤曲、电影音乐、古典礼仪音乐、现代音乐于一炉，花样翻新，可看可听，听（观）众其乐融融。在电影配乐中，特邀马友友、郎朗加盟演奏，确有很好的宣传效果和票房价值。当然，谭盾的电影音乐也是写得不错的。 　 与欧洲音乐传统比较，约翰·凯奇形容“‘文化无政府主义’的自由美国，任何事物，若是从零开始的话，怎样做都是允许的”。谭盾的音乐创作深受美国的文化和凯奇的“实验音乐”影响。凯奇是主张艺术应直接和日常生活结合的，在他看来，生活中什么都是艺术；凯奇信奉东方的佛学、禅学，《无声》是他写的具有哲理性的著作，是“他对音乐本体及如何体现这种本体的一些独到见解”。 在谭盾的《乐队剧场》中你可具体听到它的各种无声的乐语。在空拍中你只可能听到客体发出的某些偶然音响。与凯奇写作的《水音乐》类似，谭盾也写了《永恒的水》协奏曲。他从中国的大自然或古音乐遗产中还发掘了不少新的音源，例如“埙乐”、“石头敲击乐”、“纸乐”、“金乐”、“玻璃杯敲击乐”等。若说欧美现代作曲家挖掘新音源的发声材料来自工业社会，例如各种塑料桶、丝、棒、各种电器，那么谭盾挖掘的方向是来自农业社会的，或往古、土、旧、俗中找，往传统乐器的极限音区，加附加装置，从各种探索中找，从演奏者兼叫喊者、兼歌唱者、兼打击乐演奏者的结合过程中找，而且可以手脚并用。谭盾写作中的创意是大胆、想象力很丰富的（有些大制作若其后不是站着大老板的话，也难以实现），例如《地图》，当我面对凤凰镇河边站着一排民族合唱歌者及其非常动人心弦的歌声时，我是被征服了，不觉老泪似泉涌！当然，我并不太喜欢乐队音乐，那不像是一路的货色，特别是大提琴独奏的音乐，虽名之曰中西文化对话。我承认要写好这些乐队音乐是很难的，不仅是作曲技术方面，它需要作曲家具有深厚的民族文化底蕴，需要丰富的人生体验。但谭盾的用心我很欣赏。谭盾是旅美作曲家，湖南方言是他的母语，难道他宴请美国客人时不是用湘菜而是麦当劳的汉堡包吗（当然湘菜也可以西式食法）！ 　 在谭盾的多媒体音乐作品中，需要多面手的能歌善舞并兼奏打击乐的演奏员。例如：为弦乐四重奏与琵琶而写的《鬼戏》、琵琶手兼唱皮影戏的旦角、会戏曲中的一些身段还兼打大锣；四重奏的弦乐演员还兼奏“水乐”、“金乐”、“纸乐”和“玻璃杯乐”。全曲均在水声伴奏中由大提琴奏出巴赫的具有沉思表情的《#c小调前奏曲》主题片断和以琵琶独奏的悲情的河北民歌《小白菜》主题对置，以此引申出开头和乐曲的终结。乐曲中自然还有它们（主题的）的一些穿插：在音乐即兴性、技巧性的“水乐”、“金乐”、“玻璃杯乐”、“纸乐”段落之间。这里还有剧场的表演、多媒体艺术的色彩、乐手的多种技艺的演出，在歌声、喊声、锣声、乐声中形成高潮，在再现后结束。 　　 这是一部传奇性的作品，作者有很丰富的想象力，有多种技巧性的音乐穿插，写法也多样。问题在于过多的即兴性的音乐发挥，音乐有些离题，在结构上也有些松散。一个激情且话多且想法很多的人，要求他舍弃一些他心爱的得来不易的设想或素材确非易事。 　　 5. 周龙《钟鼓楼》编制为配备较多打击乐的单管乐队 周龙在谈及自己的音乐创作时说：“我的音乐大多表达一种个人情怀。也有思古人之幽，感怀大自然。大量作品的音乐灵感来自于唐诗宋词及中国古典文学题材。很少与大事件、大人物融会贯通。”《钟鼓楼》是2006年由德国法兰克福现代室内乐团委约创作的。周龙说它是一种“乡情”，“是旅居海外人们的一种特有情感”。他自幼生长在北京鼓楼大街钟楼脚下的四合院内，钟鼓楼是个古代朝代的报时中心，楼内原有一面大鼓和24面小鼓，现今只存那面大鼓了。至今仍在木框架上吊放着报时用的大铜钟，有一根圆形木桩是撞钟时用的。钟与鼓都是乐器，并用以报时。周龙说：“在乐曲《钟鼓楼》中，我想象着风中传来的阵阵鼓声。音型的渐进发展，每一次以更快的速度，把音乐带到疾风骤雨般的高潮乐段。萦绕的钟声在微风中飘荡。”这是一首美丽而音乐想象丰富的交响诗，音乐思路的呈示、发展是清晰的，无调性式的和声与音乐情节的转变其写法也多样，只是在转入结束时高潮和它的伸展、停顿时总感到似不尽如人意。 　　 在此音乐会的十余天后，还由国交演出了周龙交响乐作品专场。其节目：（1）表达作曲家在生产建设兵团务农时，作者参与放火烧荒准备春耕的感受，交响诗《未来之火》。（2）和（3）《忧思》和《启迪》是姊妹篇，前者为作曲家对在文化大革命中遭受磨难但仍然为理想而奋斗的中国艺术家和知识分子的礼赞；后者强烈地表达作曲家对当前世界环境的领悟，三位一体：和平、光、爱。上半场音乐题材对于当今现实的积极意义是显而易见的；下半场的节目：《唐诗四首——弦乐四重奏与乐队》，此曲第三、四乐章的《唐诗二首》于1998年4月7日获英国广播公司等主办的首届大师奖Masterprize的获奖作品。《唐诗四首》是以弦乐四重奏代替（模仿）古琴与管弦乐构成协奏的形式，并借用多样的古琴指法于弦乐器中表现唐诗的古韵与磅礴的气势。音乐会以《鼓乐协奏曲》结束。 　　 周龙称自己的性格内在。他话不多，并不属于能言善辩的类型，在其身旁的陈怡正好补充了他想说的话。周龙生性耐心、细致，能安下心来写作，且愿反复修改。他是个男子汉，刚毅、正直，从不跟风走，他说自己“不任市场文化主宰，不随大忽大悠左右”。周龙的音乐朴素、深厚，有阳刚之气。他当过知青，他母亲告诉我：周龙因每天背大石头而折腰；他有在张家口市文工团的工作经历，熟识底层生活，接触到各种地方小曲。 在我的回忆中：1999年日本作曲家“三木稔民乐作品专场音乐会”（由日本乐团在京演出），现代作曲家三木稔的创作思想和作品给予周龙等直接的影响：例如关于现代音乐与传统音乐的关系、可听性（他十分强调旋律的作用）方面、日本民乐的风格特点等，他写了《空谷流水》和《琴曲》，这种中国文人音乐与现代作曲手法相结合的思路使他在写作时逐渐上手了。以后又写了钢琴曲《五魁》。到美国后，虽说已“失语”，“在寻找东西方文化的结合点上，我曾经非常苦恼”。但他把这些作品经过改编或加工，便也成为他的新作。 　　 综观“周龙交响作品专场”的作品，除《琴曲》外，均为作曲家出国后采用无调性、泛音性的技法写作的。但他承认“我们身上的中国传统是根深蒂固的”，“时至今日，盛唐时期的辉煌穿越千百年时空，依然对我的创作具有相当大的影响”。不过周龙希望“新一代的诠解中发展出活的传统”，在创作上要“承前启后”，也许，他认为自己在做着这件事。他和陈怡都谈及汉语声韵、语调、逻辑性对他们音乐的启发和影响。并说使之构成一种音乐的神韵并非易事。周龙或陈怡的乐队音乐，仍是学院式的严肃音乐，仍是运用交响性贯串发展的音乐，这点与瞿小松相差不大，但仍有明显的区别，与谭盾的区别是大的。 　　 音乐会上还有张丽达和叶小纲的作品演出。小纲的《马九匹》在京已多次演出，且已刊出评介；丽达的《线与激情》，她说：“连排时她没能参加，演出实效不太如意。”王琳告诉我，此曲在柏林市演出时，听众均甚喜爱。 　　 对于这些哥们（姐们）的音乐，我同意周龙（自然也包括陈怡）的简略概括：“这批中国作曲家大胆地将中、西、古、今技法熔为一炉，又形成了各自独特的个性，从一个侧面反映了这一时期的中国音乐创作发展的趋势。他们的作品在国内外引起了一定反响，也引起了音乐界的争论。无论从什么角度来看这批作曲家，在改革开放的80年代，他们体现了一种新的观念和时代精神，同时下意识地闯出了众多创作道路中的一种。 但这个创作群体又各自随流，有崇古拜先，乐于文人情趣的作品，有轰轰烈烈一次性庆典式的制作，有追求当代文学与实验剧场的结合，有潜心于小型室内乐或大型管弦之创作，有适应市场收益的影视配乐，有综合媒体或大小型舞台音乐剧（歌剧）等等。这些创作，无论是在审美上的差异，还是在表现上的需要，至少都在我们所处的这个年代从一个方面代表了一种重要的创作思潮和实践，但它不能完全代表今天的中国作曲界（但它只是中国作曲界中的一个艺术流派）。 二 　　 2006年底，天津音乐学院数位工作人员带着录像设备到我家为“鲍元恺《炎黄风情》首演15周年音乐会、研讨会”的举行要我讲一点感言。鲍为我的老朋友，我只是他的先学，为他打音乐写作基础做了点工作。当时中央音乐学院作曲系只设有五年制的本科，我在作曲教研室管点事，深感在五年内需要写作如此多如此复杂的内容与形式的曲目，我想提前在附中理论学科找两位同学做试验，上作曲个别课。 派来上课的是鲍元恺和罗伟伦。鲍原学长笛，又学过点小提琴，为少年交响乐队成员，对民族民间音乐课的学习也很认真。是个沉着、不太露声色的少年，是个扎实地学习的学生。他每次作曲作业都抄写得整齐、干净，作曲课也进行得顺利。当时，我绝没觉察出他具有很强的组织、活动潜能，像现在的他那样话又跳到从1982年以后说起：自打开通向西方的窗户后，正如本文开头所介绍的那样，现代音乐迅速进入，在一些音乐院校作曲系或主流音乐创作活动中接近于占有统治地位。 在刊物上，一些作曲、音乐学家著文说：那些传统写法的器乐曲太简陋，就那么一条民歌旋律，配上Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ的和声；传统规范的写作已是日落西山，不可能有它自身的更新，它只有自惭形秽地叹息！写这些文字的朋友也是科班出身的，他们应该听过（可能分析过）黄自、马思聪、郑志声、谭小麟、贺绿汀、陈田鹤、丁善德等人的名作吧！这里有中国作曲学派的代表作，无论它们是阳春白雪或下里巴人，但都是艺术精品。 　　 有些朋友认为调性音乐意味着保守，从西方音乐史上记载：民族乐派只是浪漫派的一个支系，早已过时了！音乐革命是从无调性开始的，这是真正的前进。这些朋友忽视了！在艺术风格发展史中，人们早已摒弃所谓进步这种观念，认为艺术风格的不同只是一种变化而不是一种进步，后者无法淘汰前者，他们把阶级斗争的理论搬到不同时代艺术品的评价上了。这样的审美思潮、创作评论、作品的选拔标准使属于第四代的作曲家们被压得喘不过气来。他们有理想，音乐创作基本功扎实，才华横溢，他们并非不懂现代技法，只是由于对生活的态度上或审美尺度上的差异使他们不愿意那样写。这个“落后”帽子使他们在社会音乐创作生活中难以“出头露面”。 但这种排斥现实主义音乐作品之风总是要改变的。首先是人民群众的需要，他们需要反映他们生活，他们喜闻乐听的音乐作品。在这个艰巨的时刻，第一个破土而出在节目单上响亮地标示出“植根民族音乐之土，跻身世界之林”口号的鲍元恺作曲的管弦乐组曲《炎黄风情——中国民歌主题24首管弦乐曲》的首演在中国近代音乐创作史上具有乐风转机的意义。当然，仍然有人说这是过时了的，以一语否定之。但自1991年5月由天津乐团首演《炎黄风情》后，15年间这部作品已被公认为在中国当代管弦乐作品中国内乐团上演频率最高、国外舞台加演最多的作品。 　　 以后我还聆听过鲍元恺作曲的具有浓郁的京都音乐风格的交响组曲《京都风华》，表现太行山抗日烽火具有河北梆子与民歌风的乐队组曲《烽火素描》和以京戏各种唱腔为核心的《京剧交响曲》。一如以往，这些作品仍是走中西融合、雅俗共赏的创作路线的，如果说《炎黄风情》是以24首民歌为主题的可独立的器乐小品有机组合的话，那这些组曲，尤其是交响曲是大型的各有特色具有音乐情节的乐章群，是数章连成一体的组合。两首组曲的题材都与某一特定革命历史事件相联系，如何创意？避免千篇一律地与众多同类革命题材作品相类似的是值得注意的；无论民歌或戏曲唱腔，它们音乐的呈示、发展、终结是自成一体的，它的乐意已得到较充分的表达；而作为交响套曲乐章的开头，其首次呈示的乐意仅是一个苗头，而这个苗头要成长为粗壮的大树，开花结果，那是需要各种条件的配合和一定的时日。因此，许多作曲家都是自写音乐主题。在民歌风的器乐曲中，全曲音乐语言的个性化，说自己的话仍是重要的。这些话语意简单，但做得好不易。这三部套曲中，我更喜欢《京剧交响曲》。 　　 2006年11月18日在中山音乐堂由北京交响乐团谭利华指挥演出了《方可杰交响乐作品音乐会》，19日举行了学术研讨会，会上好评如潮。简略地说：其作品结构严谨，手法简练，注意以朴实的音乐语言揭示乐曲的思想内容。作曲家写的《热巴舞曲》早已成为北交的保留节目，此次演出的《大起板》也成为北交节日演出的乐曲。方可杰长期在河南从事地方戏曲音乐创作，有丰富的群众工作经验，他力求运用民族化的音乐语言，创作“群众听得懂”的乐队音乐，这是最可贵的。当然，这只是他一生创作历程的初步成果。 三 　　 1980年后可说是全民进入知识重构的时期，有人称为新艺术时期。过去限制是严的，艺术创作近于传达政治讯息，这时，通过对外学术交流、刊物、书籍刊登的翻译论文、信息传递各种西方的艺术思想、图片、技法和作品分析，人们能初步地掌握了话语权。文学界流行着一段俏皮话：小说家们被创新之狗追得连在路边撒泡尿都来不及。作品题材上已经非政治化了。1985年后，艺术专业的学生们在追随西方现代主义，尤其是表现主义技法方面，各种现代风格艺术方面大体上兼容并包地已走了一遍。1987—1988年开始渐入低谷。以后，在美术上一些画家试图从中国传统文化或乡土化，例如汉字、壁画、剪纸或更古老的艺术形式的符号化入手，用现代技法来写作并进入市场。在此基础上后又引申出“新国粹”派画家以新技法的面貌与西方市场的艺术评论家对话，以便在西方画坛中占一席位。 　　 音乐学生中的新潮群体的创作浪潮及其进程和倾向性与上述大体上是近似的，由于音乐创作的特殊性与上述大体上是近似的，由于音乐创作的特殊性，正如第一节中所曾述说的，也并非完全一样。由于这个群体中的多数成员先后出国攻读学位，他们在国内的创作活动减少了，流行歌曲早已是社会上的主流音乐。 在美国，谭盾仍是最活跃的，前已谈及，他最使人敬佩的是大胆的艺术创意和丰富的想象力，由于他得到财团的支持，他所指挥的交响音乐会或歌剧演出大都具有大动作的轰动效应。这在他们之间也是独具一格的。 　　 由于一切大自然或城市生活用品均可作为音源，他的音乐音色、演奏法（表演方式）也是最多样的（贬义则称为“杂”）；由于多媒体的参与，他的音乐作品演出听众经常是需要耳、眼并用。如果说他的音源还有现代作曲家（例如凯奇及其追随者们）相仿的，那么他作品中的某些词（音）源，例如粗口（秽话）大联唱、性爱时的声调和呼喊（见歌剧《牡丹亭》中的二重唱），在中、西方音乐史中也是“史无前例”的（不雅）！ 　　 他强调在他的作品中体现不同文化、时空的对置、对话、融合，例如人与鬼、最原始与最前卫、中（最土的）与西（现代）等方面。 谭盾的音乐有些是写实的，正如上例，可说是露骨了。但总的说，它还是一种幻想（魔幻）音乐，具有明显的传奇性，它是抒情的。有些电影音乐充满浪漫色彩，虽然在生死战斗，但却少有悲剧（悲壮）性，电影《卧虎藏龙》的两个片段的音乐。一是竹林里的打斗；二是两个女英雄的飞檐走壁的战斗，借用戏曲中的鼓乐来配音是绝妙的。谭盾经常面带笑，其音乐也像带点欢乐的笑。 郭文景的音乐却是刚性的，有些似是悲剧中的英雄，郭文景也有幽默，但绝没有谭盾的那样轻松、随意。瞿小松的音乐似其人，显得颇为庄重。谭盾激情、话多，且常即兴发挥，似是一片片音群；瞿小松像一个惜墨如金的学者，讲究“大音希声”，“大象无形”，似有点冷。周龙、陈怡夫妻是学院派式的现代音乐家，思路清晰、严谨。 周龙与瞿小松在某些方面有点类似，都喜爱中国古代文人音乐；陈怡则对京剧音乐更亲切，她曾是广东京剧团样板戏乐队的演奏员。看来，陈与周对现今写作上应用的文体、语法并没见有改变之意；谭盾从来是以变应对一切的，以创意决定一切的，他时有新招，媒体闻讯跟踪报道，粉丝不少，虽然时有反对者指摘，他也能兵来将挡。 郭文景的音乐语言、语法基本上可粗分为两类：前者属于川味或带五声性的自由序列；后者为调性音乐，为完成某一定单（委约）的政治（革命）题材作品或影视、舞台音乐。在某种意义说来，郭文景的创作倾向大体上是属现实主义的，音乐思路也清晰可理解。 向调性音乐创作方向迈进一大步的是叶小纲，他说：“我这么多年一直在追求自己一种既不前卫又不保守，听上去也不刺耳，但实际很复杂的音乐风格；以及最新技术和传统基本功相结合的手段。”这段话他说得还不明白，再引用他介绍美国同学印斯的一段话：“印斯等美国当代作曲家的作品，已经把那些伪文化或装腔作势以及假先锋全扔一边去了。他们最大特点是考虑了市场，在充分显露个性的同时也保留了很大程度上的所谓‘可听性’，让更多普通人能走进他们的心胸。他们的音乐代表了在新的经济、文化及受教育程度有所提高这样一个新时代下所体现的多样化的生存需求，是艺术家对自我意识、道德理想主义、全球范围内艺术世俗化倾向以及在市场经济重压下等社会性多方面因素妥协的产物。”叶小纲也近似如此，他看清楚新社会所需要的音乐激情，在回国后创作之路上，定位在中国主流音乐家的行列。例如：写作舞剧音乐《深圳故事》《长城交响曲》等。最近写的乐队音乐《巍巍昆仑》，用他自己的话：“可听性”的，是“大家都听得懂、能接受的作品”。当然，叶小纲或郭文景所写的调性音乐，或强调旋律性、或在作曲技术上稍较强调现代性，其语言仍是个性化的，这正是他作品价值的所在。 　　 写作有深度的音乐，旋律性是重要的。作曲家的产品要考虑市场，考虑音乐厅或公共传媒的听众的要求与需要，这是当前音乐创作的一个主要思潮。 　　 瞿小松提出：他的写作要走出西方学院派现代音乐的束缚，走出西方音乐的阴影。他认为非作曲家的音乐，像中国的古琴音乐，印度的古代音乐，完全松弛，极其自由的时间状态，自己跟这种状态更靠近、更亲切。陈其钢也提出要走出“现代音乐”，追求自己的路的创作方向。他认为“现代音乐、现代艺术缺少活生生的感人的东西，太追求技术，太追求理性，太追求结构完美，这时往往把艺术本质忘掉了”。“实际上艺术应该是活生生的、闪光的从你心里发出的一种感觉，而这种感觉是任何理论不可界定的。”（见《人民音乐》1998年第6期）这确是个艰难求索的过程，大智者才能摘到丰硕的果实。 萨义德早在1980年代已指出隐藏在经济文化交流中所存在的新殖民主义的影响。周文中也谈及“人们普遍看重外国艺术家、评论家的评价，这些心态是典型的后殖民主义心态，自身的价值似乎一定要得到西方的、外国的承认。……当今的美国社会，艺术越来越商品化，越来越要求粗浅、新奇，要在这个不属于自己而自己又无法真正了解的社会生存，求其‘认同’，可想而知这些有才华的作曲家在21世纪的艺术造诣前景，究竟会如何。”（《中国音乐》1998年第2期）当代的西方艺术把语言创新当作艺术发展的唯一标准，它要对已存在的艺术品具有挑战性、批判性，它要彻底推翻已有的艺术规范，只有全新的创意才具有市场价值，这是一种减法；而我国的艺术创作传统，我国“五四”以后的创作经验是继承出新，在已有的世代艺术创作经验的积累过程中，在淘汰和添加过程中而独创出新，而不是全部颠覆前人的艺术规范，这是一种加法。现代西方的艺术是搭乘在西方科学快速的不断更新的高速车道、艺术评论家们希望艺术语言、创意像电脑那样快速地变更型号，但艺术品的创作是不可能没有自己的传统或规范的。遵循这种西方艺术创新模式，越往前走将越脱离音乐厅听众。 　 “作曲家无论在哪种社会生存，一定要千方百计寻求建立自己的语言，要在对多种文化，首先是对母语文化进行深入研究的基础上确立自己不同于他者的语言。这是基于两个重要的原因：一是别人的语言难以表达自己独立的精神；二是从更深的层次讲，有你自己的语言，别人才愿意、才可能与你平等对话，你也才可能真正确立自己音乐的价值及地位。”（周文中，同前） 　　 现今我国听古典音乐的圈子太小，以北京为例，听交响乐音乐会每场平均若有200人买票就算是上座率高的了。这有各种原因，缺少动听的中国新曲目应是听众远离音乐厅原因之一。乐队音乐小品《瑶族舞曲》已曾演过数十年，今天仍是返场乐曲的首选。作曲家们请多写些具有较高艺术质量的、为群众乐听的器乐小品吧！像《瑶族舞曲》那样的小品已和今日的听众欣赏水平不很适应了。 　　 今日我们的创作与时代的前进步伐相差颇远。近数十年来，中国社会的变化可用沧海桑田来形容。在经济改革过程中新的社会阶层崛起了，一些社会阶层在不断沉沦，多少人荣华富贵，多少弱势群体为生活而挣扎，多少可歌可泣，多少可憎可恨，作曲家们用音符来表达人民的心声吧！当然，这种对时代、社会、人性的思考应是独立的，其音乐语言也是发自内心真实的声音的，而非取悦任何外部力量。 　　 音乐艺术永远要面对人，面对人类的苦难，作曲家的任务应是深刻地表现人类走出苦难走向未来。我国的封建社会是漫长的，经过一代代人的斗争才有了翻天覆地的巨变：这里经历过民族解放战争，经历过“文革”的深重灾难，我们的人民群众有过多少悲欢离合！而人类社会在反法西斯战争中在天灾人祸中有过多少人间悲剧在发生。这正是作曲家们应怀有普世的眼光去观察、去思考、去反映的。 　　 当然，也不能说以行动来直接参与社会改革的作品来直接反映社会生活斗争的作曲家是从内向外地表达自我的感受的，例如布鲁克纳和他的九部交响曲，这一定程度上也包括他同时代的古斯塔夫·马勒，最老的还有生前默默并不显要的巴赫，在中国还有不少的文人音乐家。音乐创作需要多元化、多样化。 　　 我们的时代更需要崇高、有深度、具有哲理性的新颖的交响乐作品，需要站在人类的高度，具有大视野、大气魄的交响乐作品，具有人道主义思想（“天地之性人为贵”——孔子）的作品。 　　 探索者们尚需艰难地行进！ 　　 　　 标题：智者们艰难的求索—2006年末聆听部分器乐作品音乐会之后的思考与评论 作者：苏夏（中央音乐学院作曲系教授） 来源：《人民音乐》2007年第12期 2008-04-10 18:59:15 http://lts.bbs.net/bbs/01/21675.html#TOP 祗园主人 日本Otaken即將再版福特萬格勒1944年的《英雄》名演，該廠牌在CD發行預告中，聲稱將以仿玻璃CD的製造方式，來強化音質，並選用當年帝國廣播局的音源，這讓近年來日本小廠嘗試轉錄這場《英雄》名演的努力，又添一筆。 这碗冷饭什么时候能炒完那！ <IMG SRC="http://lts.bbs.net/upload/200805041b69f14002.jpg/_/Otaken KTC313.jpg" BORDER="0" ALT="上传图片" WIDTH="291" HEIGHT="283"> 2008-05-04 23:33:32 http://lts.bbs.net/bbs/01/21678.html#TOP Guinness Tuesday, 4 November 2008 7.30 p.m. National Grand Theatre, Beijing Beethoven: Egmont Overture Brahms: Symphony No. 3 Musorgsky: Pictures at an Exhibition (orchestration Ravel) Wednesday, 5 November 2008 7.30 p.m. National Grand Theatre, Beijing Dvorák: Symphony No. 8 Mendelssohn: Symphony No. 4, 'Italian' Ravel: La valse Friday, 7 November 2008 7.15 p.m. Grand Theatre, Shanghai Beethoven: Egmont Overture Brahms: Symphony No. 3 Musorgsky: Pictures at an Exhibition (orchestration Ravel) Saturday, 8 November 2008 7.15 p.m. Grand Theatre, Shanghai Dvorák: Symphony No. 8 R. Strauss: Till Eulenspiegel Ravel: La valse Mariss Jansons, conductor http://www.concertgebouworkest.nl/en/concerten/overzicht.asp?year=2008&month=11 2008-05-25 16:44:38 http://lts.bbs.net/bbs/01/21569.html#TOP 舒存 时间过的很快，转眼工夫，二年一次的CCTV-3青年歌手大奖赛又开始了。今天晚上开始的是合唱比赛，第一个参赛的是云南农村来的，连指挥都是，每个人都很年轻，很质朴。他们的音质纯净，和声独特，音色非常漂亮，给人一种清新感。 比赛的视唱练耳比较难，每个队要演唱四个声部。农民队选的是老柴的一段音乐，他们表现还可以。不过我怀疑这个视唱练耳是事先已经安排好的，因为从抽到曲目，还要熟悉一下声部的配合，不是马上可以唱出来的。 第二个是大学生队，一首带感伤的歌曲没有了情感。第三个是部队的男声合唱，他们表现就完全是我们习惯的革命合唱队表现，完全没有第一个农民队原生态的吸引人，但是他们得分很高。 2008-03-16 20:22:53 http://lts.bbs.net/bbs/01/21672.html#TOP Guinness Alban Berg Quartet将于今年7月解散，估计是因为其中几个成员年纪太大了，现在正在巡回告别演出。通常只有60－70％上座率的Queen Elizabeth Hall（专门演奏室内乐的一个小厅）,今晚座无虚席。 这是我在Queen Elizabeth Hall听到的最好的一次演出，音色好，尤其是大提琴，绵长厚泽；层次感强；精准，线条明晰。突出的特点，气势凌厉，善于营造气氛（尤其在对现代作品的诠释上）和表现情绪。不足的地方是，高音有点薄，整体偏硬；对作品的控制有点强，弦外之音显得不足。 曲目： Haydn String Quartet in G, Op.77 No.1 Berg String Quartet, Op.3 Beethoven String Quartet in A minor, Op.132 2008-05-02 06:34:24 http://lts.bbs.net/bbs/01/21650.html#TOP 大饼 (空) 2008-04-21 08:37:32 http://lts.bbs.net/bbs/01/21630.html#TOP 舒存 一直在期待CCTV青年歌手最后的原生态比赛，期待有新的民族艺术人才出现。最近搞团体啊，美声啊，还有这几天的民族唱法赛，基本没听了，刚才偶尔看了一下，听到一个很好的民族唱法的男声，特别想介绍一下。他的大名叫不上来，前面没有注意。 他在决赛的名次赛中，把《天路》演唱的很感人。从唱法来说，大嗓用的多，但音色一直很纯很美，不会浑浊。按音响的习惯说法，密度和质感很高。整个演唱，给人最大的印象气息很好，用声得当。声区一致，低音也很好，不会松弛下来。音质不像阎维文那样硬，是一种宽松醇厚又有张力的声音。这样的男声，很难得听到。 说是来自西.藏.，但肤色不是藏人那么深那么黑。他的真实来路不明，这次是代表解放军艺术学院的。个头相貌都可以，遗憾的是，演唱时候嘴巴有时有一点小歪，没有王宏伟那么严重，也许该叫小撅嘴。 2008-04-13 22:43:41 http://lts.bbs.net/bbs/01/21636.html#TOP 舒存 清明期间，专门到厦门去了一趟，主要就是去听听这场弦乐专题音乐会。音乐会特邀台湾音乐人黄辅镗（阿鏜）指挥。他是后来学习作曲和指挥的，原来是搞弦乐演奏与教学的。以前多次说道，我非常欣赏弦乐家出身的指挥，所以很期待他对厦门爱乐的发声有正面帮助。 厦门爱乐参与合作的弦乐声部，有42名乐手。其中左侧第一小提琴11人，第二小提琴9人，女性12人；右侧中提琴7人，大提琴9人，贝司6人，女性8人。 演出还是很成功的。具体情况，阿鏜自己在走四方有介绍，特别转贴推荐。可以看出来，阿鏜指挥的优势是训练乐队，是在引导弦乐发声。他的这个特点，正是目前国内指挥所欠缺的。 2008-04-16 19:35:14 http://lts.bbs.net/bbs/01/21626.html#TOP 舒存 帕瓦罗蒂第一次到中国访问演出，不仅在北京，而且在全国声乐界都引起了广泛的反响。1986年7月，胡国辉根据采访录音和讨论写成初稿，介绍帕瓦罗蒂的歌唱方法。稿子由原中央音乐学院院长赵沨校正成文。原文刊登在1986年第4期《音乐研究》。节选部分内容如下。 【歌唱呼吸的奥秘：“谁懂得呼吸的奥秘谁就懂得歌唱。”美声学派这句古老的教诲虽不够全面，但却对我们阐明了呼吸在歌唱中的重要性。帕瓦罗蒂的唱法正是建立在这条古老原则的基础上。他说：“掌握不好呼吸，就没法唱出好听的声音，甚至会毁坏嗓子。”我们知道，他结束跟波拉和康波加利安尼的学习后虽已扬名四方，但并没真正掌握好呼吸的技巧，真正掌握呼吸的方法是在萨瑟兰帮助下解决的。萨瑟兰的丈夫波吉宁说：“每次排练，回头总是看到帕瓦罗蒂把手按在他妻子的腹部，帕瓦罗蒂说是看她在歌唱时躯体里面到底发生什么变化。”也许是他自身经历的原因，他说：“掌握横膈膜的技巧只有在舞台上才能学会。”（当然，我们认为，声乐学生在学习时就应该学习横膈膜的控制技能）。 帕瓦罗蒂对我们讲了很多有关歌唱呼吸的体会，概括起来大概是这样的：“气息支点主要在横膈膜，吸气时横膈膜的肌肉象一条带子，从前至后围成一圈，非常有劲地扩张，象便秘的人蹲桶时一样的感觉，也象武士在发功时的积极状态。小腹往外鼓出，吸足气息，胸腔要全面扩张，喉下的胸口有个明显的支点。发声呼气时，横膈膜往外强有力地扩张，里面有一股反作用力形成一条“声柱”往上升起。“声柱”经过胸腔产生共鸣，再通过喉头声带，连接在面部的共鸣盒（帕瓦罗蒂歌唱中感觉的共鸣腔）。在发声过程中，小腹自然、缓慢地托起收回”】 【帕瓦罗蒂多次提醒我们：“呼吸、横膈膜如果运动不正确，喉咙就会紧张，声带就无法正常工作。歌唱时喉咙一定要放松，否则声音就不听。”】 【从生理科学的眼光来看，人的呼吸只能由肺完成，肺的周围和下部都不可能吸进空气，但肺是个海绵体，它吸进空气的扩张必须依靠四面与它牵连的肌肉来帮忙。如通过胸腔四面，特别是下部肋骨的扩张，横膈膜、腹部下降来拉开肺部的空间…….，一般把这些肌肉群叫“吸气肌肉群”。在吸气肌肉群周围，还有一组“呼气肌肉群”但与歌唱有关的主要是“吸气肌肉群”。 歌唱呼气不能象睡觉时那样一下吐光，一句乐句很可能拖十几秒。要保持肺部空气慢慢往上输送，这些“吸气肌肉群”就是往外保持扩张，这就形成“气息保持”“气息支点”“横膈膜支点”…….也就是几百年来被公认采用的“胸腹式呼吸法”，帕瓦罗蒂运用的就是这样的呼吸法。】 【“胸腹式呼吸法”道理人人皆知，可真正理解、掌握分寸并进行正确的训练就不那么容易。有人在注意胸腔往四面扩张时，横膈膜就失去支持或抬高部位；有人则相反：注意横膈膜支点，可是胸失去往四面扩张的力量；有人感觉横膈膜往两边扩张，忽视了腰部也是支点的组成部分。帕瓦罗蒂很明确提出横膈膜象一条带子，围成一圈。更难理解的是在横膈膜往外扩张的同时，要用“呼气肌肉群”的力量，在里面形成一般反作用力，使气息形成“气柱”或“声柱”往上升起的感觉。相当一部份人为了寻找“气柱”“声柱”感觉气息往上抛，却失去横膈膜往外保持的力量。 另有些人只学表面现象，横膈膜往外使用“僵死”的力量，里面的反作用力体会不到，把气息“憋死”。因此，训练歌唱呼吸必须遵循一条原则：一切肌肉活动都得建立在弹性的基础上。当然每个歌唱者需要根据自己的能力，细心体会，循序渐进。萨瑟兰也曾提醒帕瓦罗蒂说：“在你训练好某些肌肉组织之前，不要模仿我的歌唱。”关于气息问题帕瓦罗蒂的话是非常中肯可信的：“人的声音千差万别，有铿锵、华丽，有的嘶哑、干瘪。然而除声带外，人体的结构是一样的。所以，经过训练，歌唱者是可以掌握横膈膜的用法的。”】 【意大利一位歌唱家写给另一歌唱家说：“为什么我唱不了几年就离开舞台，而你却永葆青春？”….复信说：“你是用声音的本钱在歌唱，而我是用声音的利息在歌唱。”】 【帕瓦罗蒂按着喉头示范说：“喉头和下巴在唱时要压下来，象半打哈欠一样。”这种压下来的讲法粗心者可能会产生误会，但他谈到舌头问题时又说：“舌头要放松舔着下牙床，练习中如果舌部隆起，要用茶匙把它压下去，总之，要采用各种手段使舌头得到放松的状态。”前后两句话连起来就消除可能产生的误解。舌头放松，舌骨也就不会压迫喉头，压喉头就变成降喉头了。】 【经过正确的训练，美声唱法男女声声带闭合振动的原理是一样的，就是随着音高上升，声带张力不断增强，振动体积逐渐减少，就是随着音高上升，声带张力不断增强，振动体积逐渐减少，这种方法发出的声音所有声区音质都能充满金属色彩。】 【 一、有一种普遍的说法是：这种唱法只注重声音而不注重语言，只唱声而不唱情。实际上，这种源于意大利的声乐学派，后来都是由于语言文字的不同，在欧洲许多国家如德国、法国、俄国都形成了不同的学派，这些学派没有一个不是非常注意语言的，因为声乐艺术主要是音乐和语言文学结合的艺术，而它们形成不同的学派最根本的原因，一方面是审美习惯的差异，而归要到底则是由于语言文字的不同。所以当帕瓦罗蒂访问中央音乐学院时，听了近十个学声乐的学生演唱，他的感想是：“从声音技术上说，我只能向他们高喊‘布拉沃’，但在意大利语的发音和对歌词的情感表达方面，最好还是到意大利去，精通一下意大利语言，才有可能成为完美的声乐艺术家。”所以，我愿再重复一次：造成过去对意大利美声唱法的误解，一方面是我们的歌唱家对这种唱法掌握得还不十分完善的，另一方面主要是民族审美习惯的差异。 二，声乐是用歌唱者的身体来作为乐器的，这种乐器存在于人体之内。生理学家虽然可以从生理科学上做出解剖学的分析，但对于每个歌唱者来说，这些器官是看不见摸不到的，因而对声乐艺术和技术有着许许多多的不同的主张，其根本的原因是：每个人在歌唱时自我感觉可能有很大的差别。所以，意大利人曾经说过：“有一百个歌唱家就可能有一百种不同的论点。”生理学家和医生甚至解剖过已故的著名歌唱家的器官，但不可能完善地解释声乐艺术和技术规律，声乐教师对学生的教学，首先是声乐教师传授他的自我感觉，这种感觉因人而异，而声乐学生要想获得正确的唱法，根本也在于学生在不断地的实践中的自我理解和自我感觉。】 【帕瓦罗蒂就声音的共鸣问题做了许多解答，综合起来大致是这样的：“我在歌唱的前一刹那，全身就象一把即将要演奏的乐器。我象半打哈欠似的压下喉头，横膈膜的‘声柱’上来，通过喉咙声带，稍拐弯到面部。面部声音共鸣部位我感觉象一个盒子。盒子的范围在眉、眼以下，上牙床以上，两腭的小窦腔以内。” 帕瓦罗蒂又说：“有人认为头腔能使声音共鸣扩大，我不认为头腔能起什么作用，或者说作用不大，在歌唱时，头腔有时只是有些麻木感，我认为声音共鸣主要在口腔、咽腔。如果声音超过面部这个共鸣盒子范围往上冲，那就很危险，声音就没力量。声音也不能穿过鼻腔往上冲，鼻腔要关死（指的是软腭要积极抬起，堵住鼻腔通道）。但鼻孔要兴奋扩张，为口、鼻同时吸气做好准备。我没感觉要在后面打开形成什么样的空间，但我发声前已都打开，发声时我只注意把声音集中在面部盒子。唱到#f2、g2的音高，共鸣盒子要明显缩小范围（帕瓦罗蒂有a母音唱了两组练习，一是开放往上，二是到#f2、g2加o母音的色彩，并用五个手指按着部面盒子示意缩小范围）。这样过渡到#b2后，声音要开放，我唱C3的感觉就象林中狮子吼叫，有多少气力都顶上，这时面部盒子又恢复比较大的空间，当然，这个面部盒子我不可能告诉你太准确的范围，只能根据当时情况来调整。咽部我没什么特殊感觉，我只是感觉下面上来的‘声柱’通过这部位。不过，歌唱中这部位是有力量的，到高音适当加点劲。三个声区所有的声音共鸣位置主要都在面部盒子里，低音稍加胸腔共鸣，但不是整个胸腔，而只是喉下三角区，胸腔共鸣不能过多。”】 【有些人会很惊奇，帕瓦罗蒂这种发声法不就是一直受攻击的“面罩”唱法吗？意大利著名声乐理论家凯沙雷在他所著的“心的歌声”一书中称这种发声法是“致命的靠前法”。很多伟大的歌唱家、理论家对头腔共鸣做了大量描绘，诸如“声音往后上”“后脑共鸣点”“头腔全面开花”…..怎么这颗众望所归的巨星竟然会采用“面罩唱法”呢？笔者认为帕瓦罗蒂对声音共鸣腔的见解已相当全面，所阐述的观点也都附合生理科学的基本原理。帕瓦罗蒂和前辈卡罗索、基里和多明哥在发声方法上都有些差别。其他三位大师可能不象帕瓦罗蒂那样注重面部共鸣盒子共鸣，但有谁能说他们的声音不是卓越辉煌的？ 我们认为初学者或喉头不稳定的歌唱者先感觉声音往后咽壁上去，甚至往后脑上去会更容易使喉头稳定。等喉头稳定后再寻找面部共鸣盒子是较保险的方法。当然，每个人对声音都有不同于他人的生理条件，不同感觉和不同的审美观，因此也应该允许每个歇唱者在遵循生理科学基本原则的前提下，以自己的审美观，自己特有的感觉，唱出自己的声音。所以，帕瓦罗蒂每讲解某种感觉时，总是声明说：“这只是我个人感觉而言。”】 【声音的“靠前”“靠后”“明亮”“暗淡”等感觉都是由于声音泛音比例不同所致。高频率泛音强烈，人耳的反映就觉得“明亮”“靠前”，反之，就觉得“靠后”“暗淡”。歌唱者把声音集中在面部共鸣盒子，所调整出的口咽共鸣腔就能产生更强烈的高频率泛音，由于这种腔体的调整，声带支点也有微小的变化，发出的基音较强，所以，注意面部共鸣盒子的声音听起来较“靠前”“明亮”。有些人注重咽腔，后脑“头腔共鸣”，那调整出的共鸣腔所产生的声音，高频率泛音减弱，低频率泛音却得到加强，发出的声音显得“靠后”“圆润”“暗”一些。 有些人主张前后全部发生共鸣作用，那发出的声音就是前两种的折中。这些发声法发出的声音都有可能形成像帕瓦罗蒂那样伟大的歌唱家的声音，帕瓦罗蒂的发声法可归入“靠前”“面罩”发声法，他的声音集中共鸣部位在面罩盒子里。当然，如果有人感觉共鸣部位不是盒状，而是球状、点状也未尝不可。 同样，有人感觉共鸣盒子部位不是帕瓦罗蒂讲的眉眼之下，而是眉眼以上，也是允许的，因为感觉是因人而异的，唯一的检验标准是发出的声音是否好听。有些追求“靠前”“面罩”唱法的歌唱者会只看到帕瓦罗蒂的表面现象，以为自己的发声方法跟他是一样的完美，但是，帕瓦罗蒂的唱法是一个整体，他是在气息支点和喉头、声带支点配合协调，口咽共鸣腔适当打开的基础上把声音集中在面部共鸣盒子里。他的发声理论跟那些忽视气息、喉头声带、口咽基本状态的人的观点是有质的区别的。】 来源：走四方转帖 2008-04-03 13:01:22 http://lts.bbs.net/bbs/01/21613.html#TOP 舒存 合唱之后的比赛，基本都没有看了。昨天偶然看了一段，是湖北的二男二女的原生态演唱。上一届听过二个男的演唱，印象深刻，还专门提到。流行音乐作曲人苏越昨晚的场外评论，很有不知山有多高的味道。他强调中国流行音乐的演唱要与世界接轨，要有自己的唱法，但他似乎看到的出路是跨界，听了愕然。在他心目中，原生态就是一个“土”，强调原生态在CCTV舞台该怎么演唱的问题。这次比赛，原生态与民族唱法的争议继续。 民族唱法这个称呼，从历史发展角度说，似乎给人的印象是悠久的，但现实却是另一回事。他是当代中国民歌教学中专业音乐学院提出的一种新观点。具体来说说，这种方法最突出的特点是，吸收美声的发声技巧，加强了共鸣，改变了原来民歌高音不圆，音域不宽，只能演唱小曲小调的特点。 这种方法最早是金铁霖开始尝试的，到目前为止，教学最有成果的也是他，其中女声以彭丽媛，男声以阎维文为最高水平的代表。金铁霖原是中央乐团合唱队成员，当年与湖南花鼓戏演员李谷一结为伉俪，为了实现夫妻团聚，引导李谷一尝试能被中央乐团接纳的新的歌唱方法，由此产生了今天赫赫有名的“金氏唱法”。按照这种方法，金铁霖先后又培养了一大批优秀的民族唱法歌手，形成了今天民族唱法金氏一统天下的格局。 2008-03-28 11:37:45 http://lts.bbs.net/bbs/01/21586.html#TOP 舒存 EMI和DG都推系列套装。EMI学的是荷兰辉煌模式，搞的是超级廉价系列。EMI的2套是管弦乐88CD，歌剧声乐72CD。EMI的2套都是100欧元一套。160CD卖2000多人民币。 DG搞的据说是日本DG，德国DG没有这个项目。DG一套共有240张，日本卖30万日元，人民币约2万多，保持了卡拉扬的“高贵身价”。 本地一个新烧古典，已经吃进了EMI的2套。这些天晚上，如果有空，可以去听听。他的音箱，完成最新一次升级。其实是降级，从PMC MB2 改为ATC SCM 100。贵丰前后级和英国之宝唱机等，据说都有可能升级。 2008-03-19 10:37:22 http://lts.bbs.net/bbs/01/21600.html#TOP 舒存 贝森朵夫钢琴易主 曾经与斯坦威、普莱耶尔与贝切斯坦齐名的奥地利钢琴品牌贝森朵夫（Bösendorfer）上周被日本雅马哈收购。 稍前，由奥地利媒体传出的消息宣称，奥地利钢琴厂商Brodmann以1千1百万欧元的价格收购贝森朵夫。但在几天之后，雅马哈的出价达到了1千4百万欧元。为了保住这一奥地利名牌，贝森朵夫先是同意了价格稍低的Brodmann，但在雅马哈做出不改变贝森朵夫生产基地和运作模式的保证后，接受了雅马哈的标的，虽然人们对日本厂商收购奥地利厂牌并不惬意。 据业内人士分析，雅马哈此举主要是为了将贝森朵夫的传统工艺，运用到自身在日本生产的钢琴上。2001年奥地利银行机构BAWAG收购了贝森朵夫，当时收购价为2千5百万美元。 今年早些时候BAWAG被美国对冲基金Cerberus收购，新东家决定变卖贝森朵夫。 贝森朵夫钢琴近年来频频陷入财政困境。仅2006年，就亏损2百万欧元，并负债8百万欧元，年销量不到200台钢琴。 最著名的贝森朵夫钢琴是拥有8个八度音程，长达10英尺的97键“帝王琴”。一般钢琴是88键。 布索尼、巴托克、德彪西和弗朗克·马丁等作曲家都专门为“帝王琴”谱曲。钢琴家阿图尔·施纳贝尔、保罗·巴杜拉-斯柯达，作曲家理查·瓦格纳和著名演员安东·霍普金斯等都是贝森朵夫的忠实用户。作为奥地利的国粹，维也纳金色大厅就坐落在贝森朵夫大街上。 消息发布时间: 2007年12月5日 来源：http://www.klassikom.com/artit.asp?id=969 2008-03-20 23:03:18 http://lts.bbs.net/bbs/01/21582.html#TOP sEQueNzA 真tm好。大概随便写了点，你如果需要我就转过来。 另外我5月底回来，6月底走。你什么时候办大事来着？ 2008-03-19 05:59:11 http://lts.bbs.net/bbs/01/21584.html#TOP 舒存 今天在网上搜索，想看看CCTV歌手赛合唱比赛的信息。看到了一些专业声乐的对小井村表现的惊叹，还看到了关于国家大剧院的消息。这些消息简直就是丑闻，虽然早些时候也曾听说，但希望能有另外的途径证实。过年的时候，跟国家大剧院一个熟人联系，他们似乎手忙脚乱，没有正经的说上话。他们每天都会议不断，好像事情很多很多。现在可以肯定这些不是传闻了。关心中国音乐发展的，甚至是喜欢国家大剧院那个鸡蛋建筑的朋友，多少会很失望..... 下面第一个贴，涉及国家大剧院歌剧厅的建声 前几天，去国家大剧院的歌剧厅演出。这可是一件很高兴的事情，毕竟，我不是歌剧演员，到歌剧院演出的机会不太多，第一次去国家大剧院的歌剧厅演出，绝对很兴奋，就差沐浴焚香了。 通知三点半到剧院彩排，准时到达。停好车，半天找不到后台的入口。剧院设计太复杂，门不少，而且都通往后台，只是这些门都被封着，不让开，唯一准确的后门，只有一个，需要我们真诚的去寻找。因为有了过去到剧院看演出的经历，我的心放得非常平静，我相信通过自己不懈的努力，一定能找到后门并且进去的。地下停车场的车道上还堆着一大块冰，根本没有要溶化的意思，看来也没有人有兴趣把它清扫一下，绕过，继续寻找后门。我这才明白了，走后门也是非常艰辛的，后门，不是谁都能找到的。 我的运气实际上不错，没过半个小时就找到了，高高兴兴地进了后台。一看节目单，哈哈，这台节目这是高朋满座，大腕云集啊。等到我上台与北京交响乐团和乐，过完前奏，我一张嘴，哐当！假的！剧院在放录音！身后整个交响乐团的声音都是录音的，不仅指挥谭利华在边听录音边指挥，几十口子的交响乐团也都在听录音比划着！ 真是凄凉，好不容易等来了到大剧院歌剧厅演出的机会，结果是个假的。 灰溜溜地到了后台，演员们都在沉着脸抱怨。 要说在电视台录节目为了所谓的质量，假唱也就算了，到了国家大剧院歌剧厅，还假唱，这真是丢大了人，问问全世界人民，有谁在歌剧院里面假唱的？最差也就是在奥运上假唱而已。戴玉强怒了，直接跟导演干上了，火气之大，我从没见过。导演在那里解释了半天，说有中央领导要来，所以要假唱之类的。结果就是戴玉强快炸了，在电视台的演播厅，怎么都好说，可是在歌剧院里面，我们都丢不起这人。平常我们都夹着尾巴做人，深怕被人说“耍大腕”今天说什么也要耍大腕了，说什么也得来真的。 想起来真可笑，我们这群人，虽然功力有限，但不管怎么讲，至少音准节奏还是能保证的。大剧院条件这么好，还要假唱？说到假唱，不妨给各位看官再讲个故事，去年，党中央迎接一个外国的代表团，要搞一个联谊活动，需要我们唱的歌都非常简单，非常普通，非常容易，基本上都是两国人民熟悉的儿歌。结果，导演也要我们先录制好，假唱。于是，在这个非常正式、温馨的外交场合，只要是中国演员歌唱，就是假的，只要是外国朋友歌唱，反而是真的。到了最后，首长和我们一起歌唱，我们的声音都是假的，就他一个人在认认真真地唱。也许外国友人不会知道这里面的究竟，可是站在首长身边，我真想打个地缝钻进去。 说回大剧院，我们“耍大腕”终于成功，有人甚至提出“罢演”。导演不得不作出了让步。 晚上开始演出。高高兴兴走上台，前奏音乐起，怎么听都是一股塑料味，悄悄扭头一看，乐队依然是在装样子，录好的伴奏。我立即意识到，被骗了。唱，还是不唱？这是个问题。如果唱，而他们放的录音里面有我的声音，那么观众就会听到两个我的声音，如果不唱，而他们放的只是伴奏，那我岂不是把人丢大了。这是一场赌博，一场找不着北的演出。但是我决定，唱，无论如何也要唱。 开唱的那一刹那，我松了一口气，他们只是放的伴奏，也就在那一刹那，我却突然怀念起假唱的温暖！从来没有像这样思念假唱！因为舞台上的声音实在太差了！声音混浊、刺耳，犹如掺了一点水，又没掺够的大面团，在这舞台上揉来揉去，不停地漏出一丝丝面粉。面团与案板的摩擦声简直是毛骨悚然。可以想象曾在这舞台上演出的大师们都经历了怎样的磨难。我过去在博文里说过，大剧院的音响效果在全国肯定能排进前十名，估计这个评价不准确。 不过我在舞台上的评价也不公正。没有哪个设计师会考虑在歌剧院里装上大功率的音响，因为歌剧院里，都是不用话筒，不用音响的。而偏偏在我们的歌剧院里，又硬挺着装上了，估计没有哪个声学工程师能同时兼顾这两种水火不相容的声音传播方式。 我手里的话筒，应该是世界上最先进的，也是最昂贵的，可是在这里，基本上就是个喇叭，声音稍微大一点，瓷牙咧嘴，横劈竖劈，很像我们在基层慰问部队用的那种手持扬声器。我真的很怀念假唱，我这才明白了导演的良苦用心，可是一切都晚了。真的很想对导演说，我错了。 我相信在这一晚上，我们所有要求真唱的演员，都会感到自己的粗鲁、无礼、无知、自大。“耍大腕”确实不对！这传说中的歌剧院，更像一个戏园子，或者就是一个演播厅。有些人是进来看房子的，有些人是进来上厕所的，有些人是进来睡觉的，有些人是进来聊天打电话的，有些人是进来会朋友谈生意的，有些人是购物顺便进来看看的，有些人是没啥事情也进来看看的。他们不会介意舞台上的演员用歌声用音乐打扰他们的交谈，影响他们的呼噜，干扰他们嬉戏，搅黄他们的生意，拖延下一步的购物计划。表现出了非常优雅的素质。 但是我还是期待着到大剧院来一场真真过瘾的演出！ 呵呵，今天起来得挺早。 原帖： 王宏伟的博客 来源：走四方 转帖：随便传传 (2008-03-14 15:07:31) No.17 转帖人说明：王宏伟的这个博文被很多人转帖，但是很多这博文又从博客上消失了。估计王宏伟被警告了。 2008-03-19 10:05:32 http://lts.bbs.net/bbs/01/21545.html#TOP 舒存 作曲大奖风波调查 记者 张伟　　　 中国青年报　　　 2008-02-20 　　　 失望 　　 　　3个多月前，上海音乐学院“钟鼓奖”国际作曲比赛决赛现场，许多人没有鼓掌。 　　如今，围绕比赛发生的争议、动手、抄袭等话题，依旧在学院内、诸多校友间乃至音乐界议论纷纷。 　　这是一场由文化部审批同意、上海音乐学院主办的比赛。作为上海音乐学院建院80周年纪念活动之一，这次比赛曾被媒体评价为“我国作曲界级别最高的比赛”和“中国首次举行的大型国际作曲比赛”。 　　更引人注目的是高额奖金。比赛设36岁以下的“春钟奖”和36岁以上的“秋鼓奖”各一个，奖金均为16万元人民币。在许多人记忆中，这是中国作曲比赛史上的最高纪录。 　　“秋鼓奖”未征集到合格的参赛作品。在2007年10月30日晚于上海音乐厅举行的决赛音乐会上，由复赛挑选出的6部作品共同争夺“春钟奖”。 　　决赛音乐会上，“国际性”很明显。7名评委中，除了上海音乐学院院长杨立青、作曲系主任何训田等3名国内音乐家，还有克里斯托夫•潘得雷茨基等4名欧美作曲家。上海交响乐团现场演奏的指挥则来自瑞士。 　　不过，在上海音乐学院教授戴鹏海看来，这个所谓中国“级别最高”的国际比赛，唯独没有高水平的作品。 　　决赛当天，戴鹏海听罢演奏，未等公布结果便起身离去。他认为，参加决赛的作品水平一般，不管哪个作品获奖，都“根本不值这个价”。 　　坐在他周围的好几位知名作曲家也都纷纷摇头表示失望。回家路上，戴鹏海与同车的上海音乐家协会副主席、创作委员会主任、作曲家徐景新一路都在讨论这个话题，回家后仍觉言犹未尽，连夜打电话质疑这次比赛“究竟在搞什么”。 　　86岁的老作曲家、曾任上海市文联主席和音协主席的朱践耳，听后也颇为失望。他记得，有人甚至“听到一半就不想再听了”。 　　“为保持我国举办大型国际作曲比赛的高标准和高规格，这次比赛的大奖最好空缺。”朱践耳的这个意见，在台下得到不少人赞同。不过，台上评委的决定却并非如此。 　　最终，“春钟奖”16万元奖金颁给了上海音乐学院毕业生宋歌的作品《了歌》。此外，为“尊重国际评委意见”和“鼓励新人”，临时决定加设两名“评委特别奖”，奖金分别为4万元和2万元，获奖者均为上音在读学生。这场国际作曲比赛的3个奖，最终悉数落入上海音乐学院囊中。 　　评选过程并非一帆风顺。评委中名气最大的波兰作曲家潘得雷茨基，曾被主办方着力宣传。不过决赛这天，主办者似乎并未让潘氏弄懂评分规则。一份评分结果的表格显示，他错把音乐会上下半场演奏的参赛作品当成两个奖项的角逐者，分别排了名次。比赛尚未完全结束，潘氏便离席赶赴机场。不过，据了解，他的评分本来已成废票，但实际上又并未被当做废票处理。 　　 冲突 　　 比赛引起的讨论和争议始终没有停息。 　　关于奖金设置和比赛花费的问题，首先成为争论焦点。提到原定32万元两个大奖和实际上发出去的22万元奖金，几名音乐界知名人士纷纷咋舌，认为“前所未有”。此外，不算初评复评费、国际旅费、宾馆宴请和乐团排练演出费、场租和宣传费等各种开销，仅决赛评委和指挥的个人酬金一项，即开支4万美元。 　　知情者透露，比赛经费高达一百数十万元人民币。除去上海文化发展基金会资助的18万元以外，其余全部来自上海市教育局拨给上海音乐学院“作曲与音乐设计”重点学科项目中，作曲方向为期3年的学科建设资金。按申报立项和审批的规定，这笔钱本该分别专用于作曲系音乐创作、新作比赛首演、作曲技术理论、学科梯队、教材科研和学科基地的建设。 　　此前，作曲系主任、比赛艺术委员会主席、评委何训田曾接受媒体采访，对高额奖金作出解释：“高奖金一定能鼓励出优秀作品，这样做，只是想给作曲家们一个应有的尊重。” 　　有消息称，复评之后，因“秋鼓奖”出现空缺，何训田曾多次提出要将这16万元挪过来，颁发两个“春钟奖”，后因财务部门以违反章程规定为由反对，未能实现。 　　与很多同事的看法不谋而合，作曲系教授、小提琴协奏曲《梁祝》的作者之一陈钢也认为，将作曲重点学科建设的专项经费用来举办这样一次比赛，实非必要。他认为，除了奖金数之高达到“国际性”外，中国音乐界目前并不具备如此举办国际比赛的条件。“当前，我们更需要的是雪中送炭，而非锦上添花。只有在我们创作出大量被社会广泛认可的作品时，举办这样的国际比赛才较为适宜。” 　　这位老上音人提到上音原来筹钱为毕业生演奏作品的传统，“从前，作曲系的毕业生一定要开毕业作品音乐会，因为学生作品只有被演奏，才能对其作出准确的评价”。他心疼地说起，因为经费短缺等原因，这样的音乐会已有近10年没举办过了。他不理解，学院为何在这种情况下，还要耗费原本为期3年的宝贵经费，举办一场水平不高的“国际比赛”。 　　同样心疼这样花钱的，还有上音已离休的老院长、曾任上海音乐家协会主席的桑桐。他以院长经历，深知作曲系筹钱之难。对于这次比赛，85岁的老作曲家感到，无论从作品质量、比赛规模、评分规则、操作公正乃至遵守国际惯例等方面，“都存在相当严重的问题”。 　　桑桐告诉记者，尽管主办者多次对外及对上级部门称有50余部作品参赛，实际上征集的作品仅有21部。其中，尚有3部作品编制不合要求，使有效参评作品减少为18部。 　　比赛的第一轮评选，除一名中国音乐学院教师外，全由上音作曲系教师担当。这与桑桐所熟悉的上音民主作风和传统大相径庭。他记得，1987年，由上海音乐出版社、上海音乐学院等主办的“中西杯”中国风格国际钢琴作品比赛，初评评委包括全国5所音乐学院的教授。在他看来，上海音乐学院举办的多项比赛，一直具有公认的声誉，最重要的原因，正是由于其严谨公正的作风。 　　1993年离休后，桑桐虽一直关心上音的发展，但从不干涉学校事务。尽管早就听说过比赛情况，并密切关注媒体报道，可是他始终没有过问比赛的相关事宜。直到比赛结束后不久，听说由一则报道引发“动手”事件，才引起桑桐注意。 　　事情起源于决赛次日，一直正面报道比赛的某早报，在一篇报道中作出了“整场音乐会让人为之一振的作品不多”的评价。该报道称：“包括朱世瑞、杨燕迪在内的几位作曲家都摇头认为没有上乘之作。” 　　杨燕迪现任上海音乐学院副院长。而朱世瑞则是该校作曲系教授和学科带头人。2003年，在德国留学12年的朱世瑞应邀回国，来到上音任教。 　　这篇报道引发了作曲系主任、“钟鼓奖”评委何训田对朱世瑞“动手”的风波。据知情者透露，事发之后，朱世瑞立即向学院党委和纪委提交了一份“投诉书”，简述了事发经过。 　　“投诉书”称，比赛结束次日，朱被何叫到作曲系会议室，何与系领导班子其他3人一起，斥责他“我们辛辛苦苦搞比赛，你在搞破坏”，“对媒体乱说”。其间，何边说“老子给你一砣”，边“一拳出手”，因朱躲闪，仅触鼻翼“而未伤人”。 　　“投诉书”又称，针对何的斥责，朱答“原话并非我说，即便说了，这话也没错；更何况，对比赛民主地表达不同看法是好事”。何认为“这是对比赛的污蔑”，“将一个大玻璃烟灰缸砸来”，朱则“将一个一次性纸杯扔去”。“双方均未命中”。这时，其他人将朱“按在椅子上”。 　　据悉，情况上报后，院长和党委曾与朱世瑞谈话，建议让何训田在学院高层小范围内向他赔礼道歉，请他“以大局为重”，“为了学院发展”而“将相和”，尽可能淡化此事。 　　到目前为止，院方在公开场合并未承认“打人事件”的存在，也未宣布处理意见。内部人士称，在一次会议上，院领导曾表示“打人我没看见”，并要求，一定要把“未看见打人”这个底线守住，以“维持学院的声誉”。 　　 抄袭 　　 　　因为此事，何训田被卷入话题中心。这个名字，在“第五代”作曲家那一串炙手可热的名单中占据着位置。他最早在1986年以作品《天籁》引起音乐界注意。此后，他以《黄孩子》、《阿姐鼓》等一系列作品获得更大声誉。 　　此次“钟鼓奖”比赛，何训田担任艺术委员会主席及评委，被认为是主要的组织者。比赛一结束，质疑声立即出现。 　　根据作曲比赛国际通行的惯例，评委与参赛者不得有夫妻、亲属、师生及其他亲密关系和直接利益关系，如有此类关系，评委应主动申明并实行回避。而数名采访对象均指称，何训田与“春钟奖”得主宋歌，有包括师生、情侣等在内的特殊关系，属于应回避范围。 　　出生于1979年的宋歌曾就读于上海音乐学院，是何训田的学生。去年发行的由何训田制作的唱片《神香》，音乐制作总监一栏写的正是宋歌。 　　“钟鼓奖”比赛章程规定：总谱上不得署作者姓名。据此，桑桐认为：“何训田对宋歌《了歌》的总谱完全一清二楚，单凭这点，何当评委就失去了公正性。”有同行更明确指出，为了维护比赛的公正性和上音的学术声誉，也为了尊重其本人的艺术人格和学术良知，何训田本应恪守国际惯例，主动回避出任评委。 　　更严重的批评，则是有人反映获奖作品《了歌》的最后一段，与何训田2006年公开发行的音乐专辑《七日谈•了歌》的结尾段落，高度相似。根据桑桐向现任院长杨立青的建议，所有参加决赛的6部作品的原谱及录音，由学院派专人送交朱践耳阅读和审听。 　　在老友眼里，朱践耳生性淡泊，从不喜欢卷入是非，甚至给人“老好人”之感。但这次在表白自己态度时，他语气坚决：“我参与这件事，没有任何私人利益的纠葛，而是为了公义。” 　　朱践耳表示，他听到作曲系学生反映，宋歌的《了歌》末段的人声齐唱，手法上极像何训田的多首作品，特别是《七日谈》。起先，他对此并未重视，因为手法雷同的情况虽可说是缺乏个性与独创，但尚不足以说明违反比赛规则。后来，他找来《七日谈•了歌》的CD，在反复仔细聆听之后，发现两首同名作品的末段，除个别音有所调整外，旋律、调性、情绪、速度几乎完全相同，甚至在表现手法上，也都采用了齐唱的形式，而且都是“画龙点睛”地揭示全曲的立意和主题。 　　在由组委会发布的《“钟鼓奖”国际作曲比赛章程》中规定：“作品必须为参赛者本人原创”，并“未曾以全曲、片段或者其他版本的形式进行过公演和出版”。同时还规定：“参赛作品必须符合本章程要求，否则取消比赛资格。” 　　由此，朱践耳认为，宋歌的《了歌》，有袭用何训田同名作品之嫌，不符合比赛章程。而该作品获奖，则“明显地违反了章程的规定，背离了此项比赛鼓励独立原创音乐作品的宗旨”。桑桐对此持同样看法。 　　他们认为，何训田作为比赛的主办人，完全知道章程的规定，而他作为《七日谈•了歌》的作曲者，也应该知道宋歌的《了歌》与自己同名作品的关系，但他并未向比赛组委会、评委会和艺委会说明这种情况，“负有不可推卸的责任”。 　　此外，据上海交响乐团有关人士透露，乐团在排练《了歌》时，由于有的段落根据总谱上标明的速度不适合演奏，因而与作者宋歌发生争执。当乐团演奏员一度因不满而罢练时，何训田曾赶来解围，并表示“这部作品很可能得大奖”，希望能继续排练。 　　采访过程中，记者多次通过电话、传真等方式联系上海音乐学院院长办公室。截至发稿时，未得到正式答复。 　　 传统 　　 　　上海音乐学院建院80周年庆典刚刚过去。创办于1927年的这所音乐专门学校，为这段历史举办了隆重的纪念仪式。除了规模宏大的音乐会，新教学大楼的落成典礼及新建校史陈列馆的揭幕仪式也同时举行。学院网页上，国家领导人和各大部委的贺信，列了长长的几页。 　　然而许多老上音人担心，这所学院所留存的中国音乐界的优秀传统，已面临难以维系的危险。这个传统，由蔡元培、萧友梅、黄自等人开启，尽管经历战火和运动，但由贺绿汀、丁善德等几代人的传承，一直延绵发展。 　　1955年进入上海音乐学院就读并执教至今的陈钢，深深感受到这种传统的失落。过去师生、同事之间相互敬重的温情，在他看来已经消退。民主的学术氛围，也正逐渐远去。 　　陈钢回忆，当年上海音乐学院学派林立，教授们的学术渊源既有德国派，也有美国派和法国派，后来还加上苏联派。这些学派之间时有争论，但学术上的争论从不会带到生活和工作事务中来。“那时只有学派，而无帮派。”他感慨道。 　　不甘心自己珍视的东西被舍弃，酝酿已久的情绪在围绕“钟鼓奖”国际作曲比赛的争议中找到突破口。这样，便有了一些长者的身影登台。 　　上音毕业生、著名作曲家王西麟认为，在音乐界乃至整个文化界学术道德沦落的情况下，上海音乐学院作为曾经的传统象征，更应坚持住“底线”。 　　“大学是社会的良心，上海音乐学院应该是音乐界的良心。”朱践耳说，这颗良心，不能丢掉。 来源：http://zqb.cyol.com/content/2008-02/20/content_2070561.htm 2008-02-28 22:31:04 http://lts.bbs.net/bbs/01/21562.html#TOP 立体声老唱片 据日本四重奏研究者幸松肇整理的资料介绍，Gewandhaus弦乐四重奏成员，全部来自Gewandhaus管弦乐队，它是世界上组成历史最早的四重奏之一。1808年11月（官方资料是1809年）乐队首席Heinrich August Matthäi 成立了Gewandhaus 弦乐四重奏，1810年即有演出刚出版的Beethoven“竖琴”的记录。 1836年开始接掌的是Ferdinand David，他是Mendelssohn小协的题献者。从1840年到1873年期间，有着609次的演出记录。1869年领导者是Engelbert Röntgen，1884年开始是Tchaikovsky小协的首演者Adolph Brodsky（1851－1929）。 1903年这个时期，Gewandhaus弦乐四重奏进入黄金时期。1924年在任49年的老牌大提琴家Julius Klengel离开，Hans Munch Holland接替。 1939年到1945年二战期间，四重奏组的活动基本停止。1941年进入Kurt Stiehler（1910－1981）时代。1955年，领导换成了Gerhard Bosse。 之后首席是Karl Suske，他曾一度组建Suske四重奏。上个世纪九十年代开始，是Frank-Michael Erben为首的当今一代Gewandhaus弦乐四重奏，其中Karl Suske之子Conrad Suske为第二小提琴。 <IMG src="http://bbs.hifi168.com/attachment.aspx?attachmentid=68088"> 创立者Heinrich August Matthäi http://bbs.hifi168.com/showtopic-133043.aspx 2008-03-10 09:53:54 http://lts.bbs.net/bbs/01/21486.html#TOP Guinness 1. Emerson String Quartet： Wolfgang Amadeus Mozart String Quartet in B flat, K.458 (The Hunt) Johannes Brahms String Quartet in B flat, Op.67 INTERVAL Johannes Brahms String Sextet No.2 in G, Op.36 Paul Neubauerviola Colin Carrcello 2.Bavarian Radio Symphony Orchestra Richard Wagner Overture, Tannhauser Richard Wagner Gotterdammerung - Siegfried's Rhine Journey Richard Wagner Lohengrin - Prelude Act 3 Richard Wagner Gotterdammerung - Siegfried's Funeral Music INTERVAL Richard Wagner Tannhauser - Bacchanale Richard Wagner Wesendonck-Lieder Richard Wagner Lohengrin - Prelude Act 1 Richard Wagner Die Walkure - Ride of the Valkyries Mariss Jansons conductor Mihoko Fujimura mezzo-soprano 2008-02-20 20:30:44 http://lts.bbs.net/bbs/01/21551.html#TOP 大饼 意大利杰出的男高音歌唱家朱塞佩·迪·斯泰方诺（Giuseppe di Stefano, 1921.7.24~2008.3.3 ）2008年3月3日周一早上在米兰附近的家中逝世，享年86岁。在1992年退休前，他以女高音玛丽亚·卡拉斯的忠实排档闻名遐迩。他俩与全球顶尖的指挥家诸如赫伯特·冯·卡拉扬在世界各地演出。上世纪50到70年代，他也在维也纳、伦敦、巴黎、芝加哥、墨西哥城、里约热内卢和约翰内斯堡等地演出。 斯泰方诺擅长意大利作品，以威尔第的《弄臣》和唐尼采蒂的《拉美摩尔的鲁齐亚》著称。此外他也在瓦格纳、古诺和比才作品方面颇有建树。他的最后一次演出是1992年6月，在罗马的卡拉卡拉广场演唱普契尼的《图兰多》。斯泰方诺将他过早地结束演唱生涯归咎于家里使用的空调。外界均认为那是由于他撕心裂肺的演唱提早了消耗了演唱寿命。 虽然并未公布死因，但斯泰方诺2004年在肯尼亚与妻子度假时遭到匪徒袭击，身边财物被洗劫一空，脑部也遭到创伤。从那以后他一直没有康复。 2008-03-05 08:49:54 http://lts.bbs.net/bbs/01/21516.html#TOP 舒存 今年拜罗伊特音乐节的名单出来了。 Theorin是Isolde。 链接： http://festspiele.de/startseite/news/0_2012/details_1.htm 那年在她北京唱布伦希尔德的时候，很多人就对她前途就甚为看好,甚至觉得她能在拜罗伊特有一席之地。果然不出三年,这个期许就实现了, 而且居然还是Isolode。 来源：走四方 2008-02-24 18:13:05 http://lts.bbs.net/bbs/01/21484.html#TOP 舒存 纽约爱乐2月20日、21日将首次访问上海，大剧院艺术总监在新民晚报发了下面的文章，对乐团充满了期待。他特别提到了当年在乐团的主场听现场的感受。不知道这个乐团的声音特点，是否就是属于这个类型的？钱世锦好像快人快语？一直记得他在那个新闻发布会上说的话：大家都知道德国有很多好乐团，北有柏林爱乐，南部就是巴伐利亚广播。我告诉你们，现在的柏林爱乐状态不如巴伐利亚广播。 等了二十年，纽约爱乐终于来了 　 ◆钱世锦 20年前的1988年11月22日上午9时，作为上海交响乐团的总经理及以赴美考察学习的国际访问者身份，我第一次拜访了位于林肯中心的纽约爱乐乐团，并向他们表达了期盼乐团能到上海表演的愿望。 纽约爱乐是美国最古老的交响乐团，其历史可追溯至1842年成立的纽约爱乐协会。后来它还吸收合并了几个管弦乐团。到了1982年时，又再跟纽约交响乐协会合并形成今天这样的规模。在乐团历代的指挥中，我们可以看到马勒、达姆罗希等人的名字。1928年至1936年的八年间，乐团经历了由托斯卡尼尼任音乐总监的第一个黄金时代。到了1985年，乐团改由伯恩斯坦执掌，发展成第二个黄金时代。评论认为，由于历史悠久，乐团已打造出自己独有的音响，“如果认真起来，会有惊天动地的效果！”对于一个平庸的指挥，“这是一个相当可怕的乐团”，不小心“他就被乐团吞食了！”但“遇到优异的指挥家，潜在的威力才会无尽地发挥出来！”在纽约爱乐与乐团团员签订的合同上，每年必须演奏52周，定期音乐会还是33周，平均要演出190多场。众多的伟大指挥家与乐团录制了数量多得惊人的唱片。类似德沃夏克《新世界交响曲》由乐团首演的历史性演奏俯拾皆是，不胜枚举。 那天晚上，我受乐团邀请去林肯中心的费舍尔厅聆听伯恩斯坦指挥纽约爱乐乐团的音乐会，节目单上有相当熟知的柴可夫斯基《第五交响曲》。在音乐厅门口，我碰到了时在朱莉亚音乐学院研修指挥专业的上海同事胡咏言，他身穿音乐厅工作服，正在检票。他告诉我，利用这个岗位，他听了许多大师的音乐会，受益匪浅。那晚，我第一次在现场感受到了纽约爱乐“惊天动地”的声响。老柴第五最后乐章“人民节日欢乐”的场面通过伯恩斯坦的演绎，几乎到了淋漓尽致的境界。1990年10月14日，当我率上海交响乐团再次莅临纽约，在卡内基音乐厅举行音乐会的中场休息时，有美方朋友告诉我：“伯恩斯坦不幸于当日逝世！”一代大师陨落了！真是可惜。 1998年春天，纽约爱乐到北京演出。当时我正忙碌在尚未落成的上海大剧院的建筑工棚中。由于上海大剧院还没建好，纽约爱乐作为配合上海博物馆的开馆活动而派遣一个演出小队前来助兴。让我惊奇的是，那天下午我接到希尔顿酒店公关部的电话，说有一位马泽尔先生要到大剧院来见我。一问果然就是大师。当我陪他们夫妇到大剧院时，舞台还在装修。大师站在第11排前面的过道上听了一会忽然对我说：“这个厅音响很好！”我反问：“为什么？”他说：“你听那台上榔头的敲击声……”其实我心中一直对大剧院的声响十分担心，而且我又一直不相信那些所谓用仪器测出来的音响数据，情愿用自己的耳朵去听和感觉，所以大师的话让我深感欣慰。分手时，我再次向大师表示了邀请纽约爱乐能到开幕后的上海大剧院演出的盛情。 2003年春天，纽约爱乐作亚洲巡演，日程中包括上海，已经确定了演出档期、曲目甚至下榻酒店。但就在我和同事们热切盼望着时，一位台湾的业内人士私下告诉我，纽约爱乐在北京演出后取消了到上海的安排而将转去别处，其原因是那座城市开价更高。我相当惊讶也十分愤怒。那种在商场上司空见惯的价格竞争居然也浸透到了文化界。但这又是一个无奈的局面，恐怕我们只有面对现实。 自从祖宾·梅塔的弟弟接任纽约爱乐总经理的职位后，他对此事曾多次向我致歉，并希望双方能有更好的合作。于是就有了这次纽约爱乐来上海大剧院的计划。 等了20年，纽约爱乐你终于来了。2月20日、21日，纽约爱乐的两场两套曲目有门德尔松的第四交响曲（意大利）、柴可夫斯基第六交响曲（悲怆）；勃拉姆斯第四交响曲和莫扎特的第二圆号协奏曲等，都是交响乐迷酷爱的曲目，洛林·马泽尔大师亲自率队莅临指挥。 来源：新民晚报 http://xmwb.news365.com.cn/xqtygb/200801/t20080127_1738453.htm 2008-02-11 12:41:55 http://lts.bbs.net/bbs/01/21544.html#TOP 舒存 2008-02-17 07:46:20 继去年11月李云迪被哥伦比亚经纪人公司解约后，近日李云迪又遭环球唱片公司 （Deutsche Grammophon）解约，比预定合约期限提前了一年。原计划将出版的新CD也被环球毫不留情地遗弃。 当然，同样的本质内容换到李云迪或其助手的口中，估计又变成了开天辟地的大喜事 – 李云迪继炒走世界著名经纪人公司自立门户的壮举后又要开独立唱片公司了吧？难道李云迪要“放下钢琴，立地行商”了不成？我倒想问问，他当真会主动放弃大公司几十甚至上百年来积累的经验和资源？本可以专注音乐，把商业运作交给专家管理，而现在缘何要平白为自己揽上一头商务官司？李云迪当然可以说有助手掌管商务，但自己的公司终究是自己的资产，无论谁管理，赌的都是自己的血汗，怎可能不分心？ 先前在哥伦比亚和环球，只顾自己的音乐就好，公司业绩与自己无直接联系，而现在自立门户即便能多赚中间人费用也给自由背上了沉重的行囊！迈出的脚步怎能不缓慢？口口声声给自己标榜为低调，潜心钻研艺术类型，而学东西本就不快的李云迪现在又挑起了小老板的重任，岂不是给自己的音乐前途设下了陷阱？老夫这些话是退了一万步说的，其实这谁炒谁的问题已经明朗化了。 李云迪未能从德国汉诺威大学艺术学院毕业，最新唱片欧美销量惨败（从未进入Billboard前20名，只在亚洲区卖得不错），国内巡演时因手伤大副改曲目，然后相继被世界顶级经纪人公司，唱片公司解约 ，“巧合”也未免太多了。在如此多“巧合”面前难道还不觉醒？还要再次把清晰无比的事实怎样地搅浑？该是时候发奋图强了。油嘴滑舌只能解一时之急，却不能供一世之需。要在这个领域生存下去，靠的是实力。还是老话 – 如果你有实力，有业绩，公司不会因为任何音乐之外的理由与你解约；相反的，一旦公司判断你的实力有限，任何小事都能成为解约的导火索。 让我再次对李云迪说：醒醒吧，不要继续蒙骗自己和他人了。虚心接受自己的不足是进步的第一步；然后希望你更努力地练琴，更实在地说话和做事。少了世界级公司的后盾，祝你至少能把国内市场发展好。若还想在国际市场发展，也先得把英文好好练练，免受他人的愚弄和摆布。 最后把哥伦比亚老总“声明”中的原话再次送给李云迪：“Mr. Li’s continued success and growth an an international artist will be based on his discipline and dedication to his art and nothing else.” 希望这次你能正确理解句子的含义:“李先生不断获得成功并跃升为国际艺术家的地位将通过他的自律与对艺术的奉献得到，而不是其他。” 原文出处： muzik的新浪BLOG http://blog.sina.com.cn/classicalstage 原文链接： http://blog.sina.com.cn/s/blog_4fe95bed01008b8v.html 2008-02-28 22:21:51 http://lts.bbs.net/bbs/01/21526.html#TOP POWER 意大利电影《天堂影院》配乐，由意大利著名电影音乐大师莫里康尼操刀。http://youtube.com/watch?v=wEFugVbzsSo&feature=related 2008-02-26 14:04:17 http://lts.bbs.net/bbs/01/21517.html#TOP Guinness 上次去听Parsifal（平生第一次听歌剧），彻底把我向往高雅艺术的那个心给伤透了...除了乐队部分我还能欣赏欣赏，人声、人物刻画、故事情节、和舞台布置都有点让我摸不着头脑，我都不知道那五个半小时我是怎么撑下来的，周围的人都听得巨认真。 这次也是抱着死猪不怕开水烫的心态去听《魔笛》的，结果大大超出预期。《魔笛》的故事性更强，而且也有喜剧因素，就进入的门槛来说比Parsifal要低很多。 夜后的表演是最让我惊喜的，歌声表现力很强，把那种多年深埋在心的仇恨一点点展现出来，克制，不夸张，但摄人心魄。第二幕里夜后要她女儿Pamina去陷害Sarastro时唱的那段著名的花腔，真醉人。声音到了那样的高度，本身就有种震撼力了；还能丰富多彩，变化多端，而且饱含张力，让人禁不住想：天国里也应该有邪恶，否则太单调了。最后谢幕的时候，她得到的掌声是最多的。 Pamina在第一幕的表演很出色，把少女的那种纯真和浪漫表现得很充分，和Papageno初次见面时的那段二重唱尤其好。到第二幕进入到较为严肃的主题后，她的演唱就显得单薄了，情感不够丰富。 Papageno表现得不错，男中音让人听起来非常舒服；Tamino的演唱似乎没有给我留下太深的印象；Sarastro声音非常浑厚，很威严，不食人间烟火的样子。 2008-02-24 19:14:33 http://lts.bbs.net/bbs/01/21501.html#TOP 舒存 　 音乐都是悲凉的 　　我不大喜欢音乐。一切的音乐都是悲哀的。即使是所谓“轻性音乐”，那跳跃也像是浮面上的，有点假。 　　我最怕凡阿林，水一般地流着，将人生紧紧把握贴恋着的一切东西都流了去了。胡琴就好得多，虽然也苍凉，到临了总像着北方人的“话又说回来了”，远兜远转，依然回到人间。 　　凡阿林上拉出的永远是“绝调”，回肠九转，太显明地赚人眼泪，是乐器中的悲旦。 　　凡阿林与钢琴合奏，我也讨厌，零零落落，历碌不安，很难打成一片，结果就像中国人合作的画，画一个美人，由另一个补上花贲，又一个补上背景的亭台楼阁，往往没有情调可言。 　　交响乐像“五四运动” 　　大规模的交响乐自然又不同，那是浩浩荡荡五四运动一般地冲了来，把每一个人的声音都变了它的声音。 　　交响乐常有这个毛病：格律的成分过多。为什么隔一阵子就要来这么一套？乐队突然紧张起来，埋头咬牙，进入决战最后阶段，一鼓作气，再鼓三鼓，立志要把全场听众扫数肃清铲除消灭，而观众只是默默抵抗着，都是上等人，有高级的音乐修养，在无数的音乐会里坐过的；根据以往的经验，他们知道这音乐是会完的。 　　我是中国人，喜欢喧哗吵闹，中国的锣鼓是不问情由，劈头劈脑打下来的，再吵些我也能够忍受，但是交响乐的攻势是慢慢来的，需要不少的时间把大喇叭钢琴凡阿林一一安排布置，四下里埋伏起来，此起彼应，这样有计划的阴谋我害怕。 　古典音乐 　　我最喜欢的古典音乐家不是浪漫派的贝多芬或肖邦，却是较早的巴赫，巴赫的曲子并没有宫样的纤巧，没有庙堂气也没有英雄气，那里面的世界是笨重的，却又得心应手；小木屋里，墙上的挂钟滴答摇摆；从木碗里喝羊奶；女人牵着裙子请安；绿草原上有思想着的牛羊与没有思想的白云彩；沉甸甸的喜悦大声敲动像金色的结婚的钟。如同勃朗宁的诗里所说的： 　　上帝在他的天庭里， 　世间一切都好了。 　歌剧 　　这歌剧样东西是贵重的，也止于贵重。歌剧的故事大都很幼稚，譬如像妒忌这样的原始的感情，在歌剧里也就是最简单的妒忌，一方面却用最复杂最文明的音乐把它放大一千倍来奢侈地表现着，因为不调和，更显得吃力。那样的隆重的热情，那样的捶胸打手势的英雄，也讨厌。可是也有它伟大的时候——歌者的金嗓子在高压的音乐下从容上升，各种各样的乐器一个个惴惴慑伏了；人在人生的风浪里突然站直了身子，原来他是很高很高的，眼色与歌声便在星群里也放光。不看他站起来，不知道他平常是在地上爬的。 　　爵士乐 　　一般的爵士乐，听多了使人觉得昏昏沉沉，像是起来得太晚了，太阳黄黄的，也不知是什么时候，没有气力，也没有胃口，没头没脑。那显着的摇摆的节拍，像给人捶腿似的，却是非常舒服的。 　　流行乐 　　中国的通俗音乐里，大鼓书我嫌它太像赌气，名手一口气贯串奇长的句子，脸不红，筋不爆，听众就专门要看他的脸红不红，筋爆不爆。《大西厢》费了大气力描写莺莺的思春，总觉得京油子的耍贫嘴。 　　中国的流行歌曲，从前因为大家有“小妹妹”狂，歌星都把喉咙逼得尖而扁，无线电扩音机里的《桃花江》听上去只是“价啊价，叽价价叽家啊价……”外国人常常骗骇异地问中国女人的声音怎么是这样的。现在好多了，然而中国的流行歌到底还是没有底子，仿佛是决定了新时代应当有新的歌，硬给凑了出来的。所以听到一两个悦耳的调子像《蔷薇处处开》，我就忍不住要疑心是从西洋或日本抄了本的。 选自《流言》 2008-02-23 12:22:52 http://lts.bbs.net/bbs/01/21485.html#TOP 舒存 “梁祝”的话题，重新贴一下。 若干年前，在某论坛写过一个长贴，比较详尽地探讨了“梁祝”的话题。原帖子找不到了，只记得标题大意是“梁祝”的台前幕后。之所以写这个帖子，是因为作品在中国当代音乐创作中的历史地位。这么多年过去了，当事人对作品的态度发生了很大变化。一个说是特定时期的特殊创作，不可能再有。一个认为，只是学生的创作，作品被人为拔高了。前者是陈钢，后者是何占豪。他们的不同观点，耐人寻味。 小协“梁祝”的作曲人，是陈钢与何占豪，这个大家都知道，大家一般都认为影响大的是陈钢。这种感觉，很大程度上缘于大家不知道的几点： 1、作品是以何占豪的创作为中心进行的。何占豪响应上海音乐学院的建院献礼活动号召，提出小提琴协奏曲的创作方案，其中“梁祝”的创作计划，是三个之一，也是最后得到音乐学院领导批准与支持的方案。为了帮助初到音乐学院进修小提琴的何占豪等人完成创作，校方特别推荐并委派高年级学生陈钢配合他的创作。 2、梁祝的音乐来自越剧。准确说，来自影响很大的著名的越剧尹派风格唱腔，不是其他越剧流派。这个特点，与何占豪来自浙江越剧团的乐队、与他个人的喜好，有非常密切关联。很多人并不知道，尹派是越剧最有影响的一个流派。他的唱腔音乐，有着独特的韵味。小协“梁祝”有很多小提琴模拟二胡演绎尹派的风味。所以，演绎梁祝，要了解越剧，了解尹派特点。外国人演绎不好梁祝，不是技巧问题，而是不懂越剧，不懂尹派。 3、小协“梁祝”的署名权之争，导致二人关系恶化。上海乐团当年受邀参加卡内基百年庆典，公演小协“梁祝”，作品署名没有何占豪。据说这是陈钢后来修改的小协“梁祝”，署名只有他一人。这个事情直接导致二人矛盾的公开化，一直延续到今天。极少场合二人同时到场的。即使到场，往往也是一个楼座，一个堂座。何占豪后来也把小协“梁祝”做了改编，于是有了古筝等其他民乐器演奏的梁祝协奏曲。值得一提的是，二人后来的这些修改或改编，都没有得到认可。 4、当年二人具体的分工，只有何占豪具体地多次说过。何占豪说，小协“梁祝”其他的，是我创作的，陈钢根绝我的创作，写和声和配器。陈钢曾经公开说过，小协“梁祝”暗含有他个人的爱情悲剧，何占豪明确指出，梁祝与陈钢个人的爱情无关，陈钢的这个说法不是事实。陈钢对此没有回应，也没有具体谈到当时二个人的创作分工。 5、陈钢的创作，主要是一些歌曲改编的小品，特别是文革前后的一些歌颂性的红色作品，至今仍有影响。陈钢在音乐方面的强项是编曲。何占豪的作品中，更多的是民族音乐元素的西洋化，例如他根据阿炳的二胡曲《二泉映月》创作了小提琴曲，要先于后来吴祖强编曲的弦乐曲。他在进入上海音乐学院之前、学习期间，以及小协“梁祝”后的创作，都表现出了个人的创作天赋。从这个意义上似乎可以看出，何占豪的强项何在，也能明白当年小协“梁祝”创作时二人的关系。 2008-02-19 22:14:17 http://lts.bbs.net/bbs/01/21477.html#TOP 立体声老唱片 杂谈：迷古典音乐的，大部分是傻波衣吗？ 朱纬 隔壁坛子里的小风波，但愿没有令“中图”感到“很生气”，希望后果也“不严重”。^_^ http://www.classical.net.cn/forum/forumview.asp?forumid=4&id=904 一位在名牌大学里教社科和心理学的朋友看到这个网页后，今天特别给我来电话，专门说起他对听古典音乐的人群的一些看法。 当然，这些都是他个人的看法，缺乏共性，所以都是私下在电话中说说的。基本不能公开拿出来写文章。好在博客还是相对自由的空间，适合胡言乱语。在此，我就试着把他的看法整理出来，转述给各位看官，只是，希望大家不要对号入座。 我朋友听摇滚，也听古典音乐。算是什么类型都有接触的，较为“全面的”音乐爱好者。但他一点也不认为，古典音乐爱好者全都是社会的精英分子。 他说：这其实是社会面对“经典的光环”，观点上产生的误区。事实上，很多对于古典音乐“非常精通”的人，心智非常不健全。他们往往相对偏执，压抑，顽固，保守，刻薄，自私、神经质。在现实生活中，他们通常都是躲藏在社会大幕下的小人物，生活中经常以自我为中心，却不善辞令，不善交际，不顾他人感受；暗地里常常感到怀才不遇，生活拮据，很不如意，却将自己妄想成莫扎特再世；有些人甚至心理阴暗，极端排他；背离大众，憎恨主流（甚至连演奏古典，为众人喜闻乐见的郎朗、卡拉扬，也成为他们谩骂的对象）他们常常以这样的方式彰显自己的与众不同；他们好高骛远，却在底层挣扎；他们内心狂妄，却只敢对着镜子扮演强者；他们反对商业，貌似清高，却常常为了几块钱的便宜实惠，忙碌奔波....... 我朋友说，其实迷古典的人和迷摇滚的人有很多相似之处。两种音乐，一种极端的“严谨”，一种极端的“散漫”，能为这两者死去活来，走火入魔的“乐迷”，精神都有些不正常。 更有甚者，有些道风仙骨的古典音乐迷，貌似品位极高，常常如数家珍，什么音乐家、什么作品在他们眼睛里，似乎已经“山不是山，水不是水”，其实，他们一点也不专业。那些滔滔不绝的人，其实都是口头发烧、叶公好龙的“伪专家”。他们可都是无师自通的人。丰富的“音乐知识”大多是从纸质或网络媒体上自学而来，有的甚至来自同好间的传闻。他们根本连音乐的基础的训练都没有接受过。五音不全，甚至五线谱都不识，更别说会玩某一件古典和摇滚的乐器了。他们充其量是自以为是的“评论家”，是“喜欢音乐的文学爱好者”而已。 我朋友说，他接触下来，反而更加喜欢流行、爵士音乐爱好者的品质，虽然他们常常被认为浅薄的，没修养的，欠内涵的，也经常被混淆为“迷恋偶像的粉丝团员”，但很明显，那些流行音乐爱好者相对前两者，人格很正常，行为显得更真诚，更开放，更具包容性。至少，他们很健康，不会成为“另类”的“怪人”。而事实上，各行各业真正的成功者，主流社会的精英人物，大多数是流行、爵士音乐爱好者（包括克林顿、布莱尔.......）。 我的朋友说，你有机会问问郎朗，他的一张专辑唱片全球发行量最多是多少数目？有没有突破过10万张？郎朗可是目前全世界最红的古典音乐演奏家了。而事实上，10万张的唱片销量，在流行音乐界，哪怕一个二流的港台歌手，都能轻易突破的。所以，我朋友说，古典音乐其实在今天的世界，就是一小撮人的偏爱。这些年代久远的音乐，照理说都堪称经典，但为什么不为一大群人追逐呢？这本身就是问题。 最后，我朋友说：音乐嘛，对于不靠音乐吃饭的人而言，本来就是听听而已的东西，何必把一份爱好弄得过于标签化呢？ 在挂断电话前，他甚至说了一连串粗话，但非常直截了当：“那些貌似偏执的古典音乐爱好者，通常在单位里，在社会上，都是最不得志的失败分子。所以才会如此放大自己的爱好。他们全是没有什么出息的傻逼。老婆都未必找得到。”所以，他最讨厌那些老卵吉格，实在卵也不懂一只的古典乐迷了。 博主按：我发现，谈话中，一些地方，我似乎也被他骂进了。但我还是硬着头皮，争取一字不差的将谈话整理出来。因为，我发现，朋友的这些话，很真诚。 http://blog.sina.com.cn/s/blog_491fccef010082gm.html 2008-01-27 21:53:47 http://lts.bbs.net/bbs/01/21474.html#TOP 立体声老唱片 胡耀邦如何处理傅聪问题 ----中央电视台采访李春光 记者（中央电视台）：你跟傅聪先生是哪一年认识的？ 李春光：应该是一九八0年。 记：你们是怎么认识的？他这个人好象不太容易接近吧？ 李：我们相识，是因为李德伦。他建议我同傅聪谈谈。我就要他和我一块儿去——我和傅聪素不相识，万一谈不来，没话可说，那怎么办？事后证实，这种担心是多余的。见面后没过多久，我就知道，这是一个热情、诚挚、坦率、透明的人，一个可以推心置腹的人。那天晚上谈了好几个小时，分手时天都快亮了。 记：你们谈些什么？ 李：天南地北，海阔天空。无非是音乐、艺术、社会、政治……也谈到他当年怎样出走，这么多年在外面的各种经历、波折，等等——也许是这次谈的，也许是后来谈的。记不得了。我不会去打听这些事，也不知道他愿不愿意讲。但他坦率地、详细地说起这些故事。其中自然透着许多感慨。 记：后来你给胡耀邦同志写信，告诉他这些事？ 李：对。那是一九八一年。傅聪回国后第一次举办公开音乐会。《北京日报》登了一个很大的广告：“著名英籍钢琴家傅聪先生钢琴独奏会”。对这个广告，傅聪本人不大高兴。他说：什么“英籍钢琴家”？我是个中国人。什么“傅聪先生”？哪一天才能叫我一声“同志”啊。可是，没过两天，这广告停掉了，不登了。原先还要发新闻，安排记者“专访”，等等，也没有了下文。傅聪是个非常敏感的人，他觉得不安，问：这是怎么回事？我也纳闷，一无所知。 恰在这个时候，遇见在中.宣.部理论局工作的好朋友郑仲兵，他说：这个事情我知道呀！音乐会广告登出以后，中央党校高级班有一位学员给耀邦写信，对报纸登这样大的一个广告，而且把一个“叛逃者”尊之为“先生”表示愤慨。胡耀邦对这封信写了一个批语，大意是说，音乐会开了也就开了，还要这样“大肆宣扬，真是荒唐！” 末尾这八个字给我留下深刻印象。你们可以去查查档案。我想这个记忆应当是比较可靠的。第二天，傅聪要去上海。可以想见，上海报纸不会发广告更不会发新闻了。他将遭到冷遇。这不是仅仅关系傅聪一个人的事。此后，类似之事可能一律照此办理。那就会引起很多问题。 当晚，我一夜没睡，给耀邦同志写了封信，写得很长，也许有三四千字，把我知道的有关傅聪的情况，包括他怎样从波兰出走英国，这么多年在国外做些什么，回来后怎么样……详详细细叙述一番。信里写到：听说你那个批示之后，我非常不安。我想，你如果知道这些情况，就不会那样批了。 第二天早晨，我把信稿送给赵沨同志（时任中央音乐学院党委书记兼院长）去看，想请他帮助核实一些材料。赵沨同志说：你信里的材料是准确的，但不要提胡耀邦批示，那是个“内部”的东西，人家会问：你怎么知道的？（就是说，你不应该知道你不该知道的东西。）更不要去批评胡耀邦。你把这些话都删掉吧。他这样说，自然是一片好心——怕我惹事招祸。 我说：为什么要删呢？总书记不能批评吗？据我了解，耀邦是可以批评的，而且是欢迎批评的，你可以同他当面争论，面红耳赤，如果你的话合事实、有道理，他不会生气，反而会高兴。 这封信一个字也没有删。中午十二点半，我骑着自行车到中南海东门，把信交给书记处一位秘书，我说：这个事情比较急，恐怕要尽快交给收件人。 后来，书记处一位同志在电话里告诉我：当天下午两点，一上班，耀邦同志就读了那封信，随即表示：这件事，要尽快想个办法妥善处理。当天或者次日，他写了很长一段批语，大意说：傅聪的出走是情有可原的。出走之后没有做损害祖国的事。他在国外刻苦钻研业务，回国演出讲学受到欢迎。对他，要谅解，要爱护，要关心。他在国外生活似不很富裕，回来演出讲学应该给一点报酬。要派个人去同他谈一谈，以表示社会主义祖国的慈母心肠。当然，出走毕竟不是好事，对他是一个污点，如果（他本人对此）没有一个公开的态度，不能宣传他。 这个信送出大约三五天后，周巍峙同志（时任代理文化部长）要秘书在电话里把耀邦批语读给我听。又告诉我，已经决定派吴祖强同志（时任中央音乐学院副院长）到上海去见傅聪。 后来周巍峙同志以代理文化部长的身份请傅聪吃了一顿饭，询问有什么事情需要帮助。傅聪说，黄宾虹先生送给他父亲很多字、画，他想带几幅到英国去，海关不准。周巍峙同志于是跟外事部门商量，使傅聪得到了一个免检签证，就是出入境无须接受检查。 以后，这信传到了《人民日报》社，王若水（《人民日报》付总编辑）把它摘要编发了一期大字“内参”（《情况汇编》）。这样，看到的人就比较多了。不久，戈扬（《新观察》半月刊主编）找我，说胡绩伟（《人民日报》社长）和韦君宜（人民文学出版社社长）先后分别建议她向我约稿，要我就傅聪的事情写篇文章。 我写了一篇《雪泥鸿爪话傅聪》，在《新观察》发表了。这文章没有引起批评。我收到一些读者来信。有位素不相识的中学老师在信中写道：听说傅聪打算回国任教，你一定要劝劝他，还是象现在这样常来常往为好，千万不要回国定居。 ...... 记：对于傅聪出走这件事，你怎么看？ 李：他当然是被逼走的。“逼上梁山”。如果不走，他无论如何过不了“文革”一关。照他的性格，多半会被毁灭。世上就不会有这么一个性格独特成就斐然的钢琴家了。在那个时候，一九五八年，做这样一件事，要有点勇气啊！ 记：据你看，傅聪最大的特点是什么？ 李：诚实。有一次，我随便跟他说起：你为什么不弹柴可夫斯基？因为那时候刚刚“开放”，柴可夫斯基比较通俗，容易听，容易有“剧场效果”。我建议他弹一点柴可夫斯基。 他很坦率，他说：（弹）柴可夫斯基需要非常辉煌的技巧，我没有。这就是傅聪！他的技术不是很好。抗战期间，颠沛流离，有时，一两年时间没机会弹琴。他没有很好的“童子功”。他并不忌讳谈这个事情。他从不自我粉饰。但是他在艺术上有自己的无可取代的特点。 有一次独奏会，大家很热情，他几次返场加演，最后弹了一首肖邦夜曲，一首非常深情的曲子，弹得很精彩。大家拼命鼓掌，他就是不肯再加演。后来有人问他：为什么不再弹一首呢？他说：不行，我的眼泪已经快要掉到琴上了。 他弹琴，不是用手指头在键盘上扒拉，他是用心在弹琴，是把内心的热情倾吐出来。一个艺术家，最重要的是什么？是诚实。艺术不是“做”出来的。“言为心声”。“唯乐不可以为伪”。好的艺术，好的音乐，一定是从心底自然地流出来，涌出来的。 记：傅聪的性格同他父亲有许多共同点。 李：你说得对。他从他父亲那里接受的东西太多了。这是我后来读到《傅雷家书》时感触很深的一点。傅聪何以成为这样一个钢琴家？可以从《傅雷家书》得到解释。这本书应该重印。这是一本很重要很重要的书，对于教育尤有价值。 傅雷先生强调再三的“先为人，次为艺术家，再为音乐家……”就像是针对现今中国教育的种种弊端而说的。我们现在许许多多学校，大、中、小学，教这个教那个，唯独不注意教怎样做人。什么是音乐？什么是艺术？这类问题也很少讨论。似乎这都是些空洞无用的话题。“改革开放” 近三十年了，教育方面不能说一无所得；但是，总体而言，所谓“教育改革”，究竟有多少成绩？《傅雷家书》里许多话看似老生常谈，但它包涵着中国传统文化、传统教育中一些最有价值的东西。 中国人历来讲究“尊师重教”。何为“师”？何为“教”？韩愈讲“师者，所以传道受业解惑也。” “道”，大概就是道德，义理，信仰，修养，价值观念，人生哲学这一类东西吧。韩愈把它置于教育的首位。孔子最赞赏颜回，不是因为他门门一百分，年年考第一。他看重颜回安贫乐道：“一箪食，一瓢饮，在陋巷。人不堪其忧，回也不改其乐。贤哉回也！”黄宗羲记东林士子“一堂师友，冷风热血，洗涤乾坤……”，这种动人的气象，今天离我们很遥远了。 我并不赞成“尊孔读经”，那里面有许多陈旧迂腐的东西。其实，不独儒者，古今中外，无论何门何派，凡有点真才实学的人，没有一个把知识、技术置于教育的首位或中心。教育的职责在于塑造人格，启迪智慧。我们现在许多地方是有意无意地扭曲人格，窒息智慧。 你们中央电视台有个节目，好象是个“公益广告”，叫做“知识改变命运”。大意是说小孩子家境贫寒，后来上学苦读，得了知识，于是变为“成功人士”……对这个口号，对这个节目，我十分怀疑：这究竟是个“公益广告”，还是个“公害广告”？ 据我所知，有些（可不是“个别”啊！ ）穷困学生，“学成”之后一门心思拼命搞钱，甚至不择手段，穷凶极恶，伤天害理，无所忌惮。有些贪官污吏就是这样培养造就出来的。这是谁之罪？同我们这些年的教育，这教育所倡导的理念、价值……有没有一点关系？ 事情往往是这样：所谓“不提倡”，必是另一种“提倡”。不谈做人之正道，很可能在不知不觉倡导做人之邪道。不讨论何为艺术、何为音乐，往往有意无意导向非艺术、非音乐，反艺术、反音乐。鼓吹知识第一，技术第一，学而优则富……这样过分功利化的教育，必是病态的。 几年前，开一个研讨会，于光远同志说：教育制度如不改变，一百年后，中国人就成为劣等民族。这是危言耸听吗？在这些问题上，《傅雷家书》可以给我们很多有意义的启示。 注：原出处不明 2008-01-27 21:37:33